Ya vienen los Reyes!!!!

La cosa va de presiones. Tras muchas para que exponga mis gustos musicales, aprovechando la época navideña en las que nos encontramos y la unión de dos de mis pasiones, La Navidad (belenes) y a Semana Santa (cofradías y pasos), os propongo "Ya vienen los Reyes" Navidad 2004, de la agrupación musical Virgen de los Reyes, patrona de Sevilla.

Se denomina Agrupación Musical a las bandas de música para Semana Santa que están formadas por Trompetas, trombones, cornetas, tambores y bombos. Desde hace unos años a estas fechas, se han incorporado también instrumentos del tipo tubas, bombardinos, fliscornos, etc. Algunos ejemplos son la Agrupación Musical Virgen de los Reyes de Sevilla, la A. M. Jesús de la Redención, también sevillana, la A. M. Ntro. Padre Jesús de la Pasión de Linares(Jaén), la gaditana A. M. Los Polillas o la A. M. Santa Marta y Sagrada Cena de León. Éstas son solo un ejemplo, pero en realidad hay cientos de bandas que se denominan Agrupación Musical, tanto en Andalucía, que es la cuna y el germen de este estilo musical, como en el resto de España. La banda precursora de este estilo musical fue la extinta Banda del Cuartel de la Guardia Civil de Eritaña, Sevilla. Esta se fundó hacia los años cuarenta, como banda de cornetas, pero con la llegada del Subteniente José Martín Martín (nombre ligado a dicha formación), en los años cincuenta, se cobró una modificación en la instrumentación, dotándola de trompetas, trombón, saxofones, gaitas, etc. (lo de las gaitas al parecer fue porque un músico de la banda era gallego) He aquí el hito por el cual se "crea" el estilo de la agrupación musical, el de la guardia civil. De ellos nos viene el repertorio clásico de agrupación, con marchas como Saeta (la más antigua) compuesta por José Martín Martín, "Esperanza", "La Santa Espina", todas de José Martín. Fue la banda que creó el estilo, posteriormente desarrollado por Santa María Magdalena del Arahal, que cobró protagonismo cuando la Guardia Civil se extinguió en el año 1975.

Hasta principios de los 90 la mayoría de los pasos de misterio llevaban agrupaciones musicales, pero poco a poco y debido a los tiempos que corrían se comenzó a considerar este tipo de agrupaciones excesivamente "folclóricas" sobre todo por el tipo de marchas que tocaban. Esto supuso la vuelta en la gran mayoría de las cofradías (excepto honrosos casos como El paso del Santísimo Cristo de la Buena Muerte de la hermandad de la Hiniesta, que mantuvo contra viento y marea a la ya mencionada banda del Arahal) a las bandas de tambores y cornetas más sobrias y clásicas en sus composiciones y en la interpretación. Afortunadamente a principios del nuevo siglo, poco a poco volvieron a resurgir las agupaciones musicales en la mayoría de los misterios.

En cuanto a la banda que nos ocupa, en una bien entrada primavera, pasada la Semana Mayor del año de nuestro Señor de 1.980, en el corazón de la antigua judería sevillana, cobijada al amparo de la parroquia de San Bartolomé donde se ubicaba por aquella época la Hermandad de Ntro. P. Jesús Despojado de sus Vestiduras, es donde ve sus primeras luces la que en principio fue conocida como “Banda de los Dolores y Misericordias”. Fue el Domingo de Ramos del año 1.981 cuando por primera vez, en aquella tarde luminosa desfilaban tras el paso de Ntro. Padre Jesús Despojado de sus Vestiduras. En el mes de noviembre de 1.992, la Agrupación toma la decisión de marcar su propio rumbo fuera de los auspicios de una sola Hermandad. Comienza una nueva etapa bajo el título de “Agrupación Musical Ntra. Sra. de los Reyes”, dicho título engloba el sentir general de la totalidad de los miembros de la Agrupación, ya que los sentimientos particulares de cada miembro se refleja en las diversas advocaciones de nuestra ciudad, protegiendo y cobijando bajo su manto la Divina Pastora de la Archidiócesis, el quehacer diario de todos los que conforman esta Agrupación Musical. En la actualidad la Agrupación se mantiene en la élite del concierto cofrade. Es la Agrupación que por el momento acompaña a más Hermandades en Sevilla, y sus uniformes al estilo de la Guardia Civil seguirán rindiendo homenaje a este cuerpo que durante tanto tiempo paseó sus sones exclusivamente sevillanos por todos los rincones de nuestra tierra. Con este album pretende como digo aunar dos momentos importantes para la ciudad de Sevilla: NAVIDAD y SEMANA SANTA. Espero que os guste (a mis niños les encanta).

Pd. Dedicado a un amigo cofrade y nazareno del Santísimo Cristo de la Sangre de la Hermandad de San Benito, que por cierto tiene una excepcional agrupación musical.

THE SMASHING PUMPKINS - Mellon Collie and the Infinite Sadness

Año 1995. Cafetería Cristina, calle San Fernando. Me dice Curro : "illo Pedro, ¿has escuchao el nuevo de los Smashing?". Yo respondo "que va tío pero el Siamese era muy bueno". Se pone serio y sentencia " este es mejor".

Currito siempre decía que yo me parecía al bajista de Nirvana y yo me cagaba en sus muertos. Currito sabía de esto. Un par de semanas más tarde fui al Sevilla Rock y me lo compré. Me costó una pasta. Mejor. Gustan más si te salen caros. Se me rayó en menos de un año y aún lo sigo poniendo, aunque me tenga que saltar dos o tres canciones. Me siguen quedando veinticinco temazos.

La palabra es colosal. Por cantidad y por variedad. El Siamese Dreams era un discazo pero más corto y más plano. Para el Mellon Collie Billy Corghan llevaba preparado 50 temas. Al final lo dejaron en 28. No sobra ni uno. Se mueven de un lado a otro, de lo sinfónico a lo ruidoso, de lo ingenuo lo duro, de lo simple a lo complejo. Podríamos simplificarlos en tres categorías (estilo Tojeiro), a saber, leñeros, épicos y bonitos. Los leñeros son los que primero me atraparon, supongo que por la edad y gustos de la época. Destaco jellybelly, el himno llamado zero y, como no, el bullet with butterfly wings, que se te instala en el cerebro con ese "the world is vampire" y te va llenando el cuerpo de rabia.

Las épicas necesitan alguna escucha más al ser las más complejas pero luego se convierten en tus favoritas y nunca te hartas de ellas. Aquí por supuesto metemos la archiconocida tonight, tonight con su sección de 3o instrunentos de cuerda y su celebradísimo clip homenaje a Meliers, la gran joya desconocida llamada thru the eyes of ruby , la agotadora porcelina of the vast oceans o la preciosa by starlight .

Finalmente tenemos las canciones hoy llamadas bonitas y hace 13 años mariconadas. Estas, más que con las escuchas, han crecido con la evolución de mis gustos. Son auténticas exquisiteces, tan frágiles que parece que se van romper. Me quedo con take me down, thirty three, beautiful y galapogos, un tema muy especial para mi ("and tell me if i am still the man i´m supposed to be...").

Hay dos temas que no entran en esta división y que son las que marcan el camino electrónico que los de Chicago seguirían posteriormente, 1979 que, pese su éxito, nunca fue de mis favoritas y love, que sí me gusta más. Los smashing de después ya no me harían tanta gracia. Este disco fue tan bueno que al Billy ya se le fue la olla del todo. Se hicieron tan famosos que salieron hasta en los Simpsons (espectacular la charla que les mete Homer) y el muchacho, que ya era difícil de llevar de siempre, pasó de creerse un dios a creerse Dios. Solo era un dios.

La foto de arriba no es la de la portada. Es un homenaje.

LOS ENEMIGOS- La vida mata

...a este lado de la puerta llegaban tus cartas ya abiertas.

Guitarreo, oscuridad, letras crudas sobre la muerte, continuas referencias a la religión, y la voz rota y desgarrada de Josele. La vida mata (1990) fue su tercer disco, y significó la consagración del grupo (Josele Santiago, Fino Oyonarte y Chema "animal"), no consiguieron un número de ventas exagerao, pero conectaron con un público que desde entonces les sería fiel hasta su separación, una década más tarde.

No es un grupo fácil de escuchar, hay que dejarse impregnar de ese aire triste y depresivo en ocasiones. A mi me costó entrar en su mundo (puede que tuviese algo que ver el hecho de que unos meses antes había empezado a escuchar el primer disco de unos granaínos... "super8"creo que se llamaba, más tarde descubrí a su productor y todo encajaba).

tres himnos enemigos aparecen en el disco: "Desde el jergón", el tema que me enganchó a ellos definitivamente, luego llegarían muchos más como Brindis, Dentro, Florinda, etc., pero con este consiguieron que me hirviera la sangre, esperando las cartas en aquella cárcel.

"Septiembre" quizás su tema más conocido, aunque nunca me ha llegado demasiado, reconozco que la ironía de Josele con el suicidio del chaval es genial, y "Miedo" auténtico tema Enemigo con letra de tragicomedia exquisa (sólo me dan miedo las monjas, el agua y los niños).

A parte de estos tres temas, personalmete me molan: "Ouija", (cuéntame qué ves tan lejos... es verdad que no hay calor ni frío? hablaste con él? le has visto ya?) , "Yo no quiero ser feliz" auténtica declaración de intenciones, y el tema que cierra el disco "Nadie me quiere" a medio camino entre el rock y el blues que me recuerda totalmente a nuestro Silvio.

ya no es tiempo de escoger, lo debería usted saber, soy el rey.

MARLANGO

Otoño.

Marlango.

Primer disco para este trío liderado por la tremendísima Leonor Watling. Los otros dos miembros del grupo (y nunca mejor dicho) lo forman, a quien le interese, Alejandro Pelayo (teclados y composición) y Oscar Ibarra (trompeta).

Esos instrumentos son la base de este disco, teclados-piano, trompeta, poquita percusión, y la voz seductora de Leonor.

Suena de un modo muy personal, posiblemente muy comercial, es un disco muy elaborado con bases pop-jazz, y supongo que un poquito de blues, soul, ... el resultado es MARLANGO, un sonido muy particular que te deja una sensación muy agradable en el cuerpo. Manda "güevos" que tenga que mencionar las palabrejas éstas cuando tenemos a Iván, que es una p.. máquina en este tema que nos debería de dar una lección de cómo no utilizar estos términos en vano.

El disco se abre con Madness, uno de los temas estrella de este disco, respiración jadeante de Leonor combinada con base rítmica y un piano de fondo. Tiene un toque “Tarantino”, si me permiten ustedes la expresión, claro.

“I suggest”, otro temazo, acompañada de la trompeta del colega, sólo falta el humo de tabaco impregnando el local con lamparitas rojas acopladas en mesitas pequeñas. Marcando los tiempos.

En “Enjoy the ride” nuestra amiga Leonor se viene levemente arriba tras escuchar la melodía de una caja de música en otro de los mejores temas. Jazz porque sí. Que putada que no sepa inglés, pero me da igual lo que diga en la canción, es espectacular.

“It´s allright” en mi opinión es el mejor tema del disco. La conjunción voz-piano es perfecta. Canción optimista, dentro de lo que cabe lo que es el disco de Marlango. Ha sido “versionada” por el mismísimo Carlos Jean, de quien si me acuerdo haré un comentario en el apartado “se rumorea”. En la descarga tenéis las versiones, que incluye también una de la Velvet Underground.

El siguiente temazo es “Once upon a time”, esta posiblemente os suene, ya que, creo fue la canción que acompañó una campaña de El Corte Inglés. Un poquito de guitarrita también vale.

Luego tenemos lo más intimista de Marlango que lo expresa fundamentalmente en “Maybe” y, en un segundo plano, “Green on Blue”.

Cabe mencionar “Gran sol” como el último de los grandes temas.

Ya digo, disco propio de esta época (a ver si llueve estos días para darle más valor). Para degustarlo sólo o en compañía (si es buena, mejor) aderezado con unos chorritos de Marie Brizard, Tía María ó Frangélico. Vamos a dejar el Legendario o el White Label para otros discos, os parece?

Sería un puntazo tenerlo en vinilo para darle un toque más romántico y entrañable al ambiente.

En este archivo también se incluye la versión de “Semilla Negra” que hicieron para el disco Arde la Calle, homenaje a los Radio Futura.

Salud !!

http://rapidshare.com/files/152340351/Marlango.rar.html

TRIANA. LLegó el día

Sevilla, 1983. Seguro que no es el mejor disco de Triana, pero a mí es el que más me gusta, ahora os contaré porqué. Fue el último disco de la banda sevillana porque pocos meses después de su grabación, Jesús de la Rosa, su líders ae mató en un accidente de coche mientras volvía de un concierto benéfico en el País Vasco. Ahí se acabó la banda, pero han pasado a la historia como una de las mejores de la historia. En el minidebate aquel que se abrió alguien los nombró. No sé si es el mejor de la historia, pero si no lo es, no debe andar muy lejos.
No me voy a meter en cuestiones musicales. Mal que bien todos hemos escuchado algo de Triana en nuestra vida y sabemos por dónde se movieron. Rock andaluz (uff, vaya etiqueta), rock progresivo (bebedores de las fuentes espectaculares de King Crimson) y una calidad compositiva e instrumental fuera de toda duda. Pero no, no es su calidad lo que me lleva a publicar este disco. Si me limitara sólo a la calidad supongo que habría colgado el “Sombra y luz” que puede que sea su mejor obra. A mí “Llegó el día” es el disco que más me gusta, y el que más he escuchado. Tiene dos temas para mí espectaculares, uno por su calidad y otro por lo que me recuerda. La calidad, la de la canción que da título al disco. Los trece minutos de este tema son espectaculares. No es fácil que una canción tan larga no se haga pesada. Para mí tiene una medida justa. El inicio tan pausado y con esa cadencia tan fina, con esa letra que trata de transmitir un optimismo difícil, casi increíble: “regalarle a la vida todo el fuego de tus ojos y tus ansias de vivir”, con ese gong que propone una segunda parte de la canción en la que van entrando las voces del coro de niños que dulcemente dicen: “Iba vestida la aurora con rayos de sol y en los cabellos prendido llevaba una flor”, a mí esta es la única parte de la canción que sí me transmite algo positivo, esa aurora blanca y que brilla como una opción real de salir de una situación difícil. El punteo que viene después me reafirma más en ese momento optimista porque enseguida vuelve al origen, cerrando el círculo de la canción, de nuevo con el compás pausado y la letra optimista sobre un fondo pesimista. Es como el que sonríe con los labios pero la mirada la lleva triste. A eso me suena este tema.
El otro tema del que quería hablar es el que abre el disco. No es el mejor del disco, puede que sea el tercer o cuarto (“De una nana siendo niño” es un espectáculo: "Yo quiero ser como el río al despertar que su fluido me lleve buscando al mar" y “Aires de mi canción” es otro temazo, perdón, temasso). Pero decía que quiero hablar de la primera canción, “Desnuda la mañana”. Mirad a mí esta canción es que transmite buen rollo. Cada vez que la escucho me pone una sonrisa en la boca y eso muchas veces se agradece. Supongo que es por el recuerdo. Os lo cuento. Os parecerá una estupidez, pero es así. La mañana de mi última oposición (2006) me levanté, desayuné y me preparé para ir al examen (a descargar la mala ostia con la que llevaba casi 6 meses). Como comprenderéis el nivel de tensión que levaba en lo alto era gigantesco. Me senté en el coche y cuando arranqué empezó a sonar esta canción. Estaba puesta en el CD, pero yo no lo sabía, saltó directamente y cuando empezó, de repente me tranquilicé, sonreí y empecé a cantarla a voz en grito (no sé qué opinarán mis ex vecinos, pero bueno). Me dio tan buen rollo que no salí del garaje hasta que acabó y cuando lo hizo, la puse de nuevo y volví a sonreír igual. No sé, creo que me cambió el humor, de hecho fui a recoger a Anoria y creo recordar que me dijo algo así como: “tío, vaya careto de felicidad que llevas, cualquiera diría que vas a una oposición”. ¿Mi respuesta?: “shhhtt!! Espera que termine la canción”.

Desnuda la mañana y sin sol

escuece el frío al amanecer

un rayo de esperanza

relampaguea en la ciudad.

Aquella mañana de 2006 estaba algo desnuda, sí que tenía sol, no hacía nada de frío y el rayo de esperanza que relampagueó en la ciudad y en mi cabeza fue este tema.
Supongo que el hecho de que todo saliera bien me lleva a tener este recuerdo del tema, pero bueno, así funciona esto, no? Pero es cierto, cada vez que pongo el tema me da buen rollo. Tengo eso tan interiorizado que cuando estoy bajo de ánimos, directamente, no la pongo, para no perder esa imagen que tengo de ella (a veces los malos momentos ni siquiera se solucionan con música) y prefiero dejarla en la recámara de “vendrán momentos mejores”.

En fin, discasso (el Word se empeña en ponerme discazo, pero no). Sé que nuestro master está tentado de poner uno de Triana, ahí te dejo un hueco para que cuelgues el que quieras (¿El patio?), pero este hacía rato que lo quería poner.

Esto es lo mejor que he encontrado en youtube de este disco, así que ahí va. Y si queréis el link, pues también, aunque a estas alturas…

Cajas de Música Difíciles de Parar - NACHO VEGAS

"¿Ahora de qué vas? ¿De Victor Jara?"

Cosas como esta cuenta Nacho Vegas que le decían los fans de Manta Ray al empezar su carrera en solitario. Ellos fueron los únicos que no le recibieron bien. No sé si yo era uno de ellos pero sí que estaba influido por alguien que sí que lo era, un tío que tenía un programa indie en Radio Nervión los fines de semana que a mi me encantaba. Este señor, que no tengo ni idea de como se llama pero al que le agradezco que me descubriera grupos como La Buena Vida, Super 8, Belle and Sebastian o Diabologum, decía sin ningún rubor que los Manta Ray eran el mejor grupo de Europa aunque apostillaba que con la marcha del mayor de los Vegas la banda se iba a resentir bastante. Luego no fue para tanto. Estoy divagando. Como Nacho.

Todo esto viene a cuento de que a causa de lo dicho ignoré semi a consciencia el Actos Inexplicables, el primer disco de Ignacio González Vegas. Luego me lo compré pero ya no era mío. Y es que, lo que en realidad quiero decir es que este, el del Cajas de Música Difíciles de Parar es mi único Nacho Vegas, que al de antes lo ignoré y que al de después lo deseché por lo que todos ya sabeis. Me sigue gustando pero ya no es tan mío. Esta sensación poco tiene que ver con lo estrictamente musical y no me duelen prendas reconocer que la calidad de maravillas como El Angel Simón, Sitios Distintos o Seronda del primer trabajo o como Nuevos Planes, Idénticas Estrategias u Ocho y medio (escuchad ocho y medio, por favor) del tercero puede que no se alcance en las cajas. Pero no son de Mi Disco.

Mi disco de Vegas. Fue Radio 3 quien al final me lo metió. Era inevitable, lo ponían en todos sus programas y yo estudiaba con la radio. Años 2003 y 2004 creo. Me moría de ganas de comprarlo pero preferí que fuera un regalo y se lo pedí a la Macu por mi cumple. Si hubiera sabido lo que era nunca me lo hubiera regalado. Disco de bajona total. De dejarme tonto, sin fuerzas. Disco adictivo, de no poder dejar de escucharlo. Lo escuché mil veces, en la foto podeis ver el lamentable estado en que lo dejé. Macu me decía que no lo escuchara antes de quedar con ella que luego me pasaba todo el tiempo amamonao. Y era verdad, lo juro. Además a mi me iba el rollo duro, los temas más depresivos eran mis favoritos, de las típicas historias cantadas del Nachete me cansé antes, las veía distantes y frías (luego aprendió) pero en esos temas psicológico obsesivos lo daba todo, se quedaba en pelotas y te transmitía su estado aunque no lo quisieras. Otro factor es que estas canciones las escribió en un tiempo en que Nacho se acababa de leer Moby Dick, una novela también de obsesiones y derrotas que cuando la lees te deja en un estado parecido. Sin saber esto, yo me había leido Moby Dick pocas semanas antes de que me regalaran el disco y encontrarme numerosas referencias a la obra en las canciones contribuyó a mi idilio con el álbum. Reconozco que es un disco muy poco recomendable. En el número cinco de la calle Parras a este hombre lo conocemos como el Loco.

Pero el loco tiene temas tremendos. El disco es doble. Veinte largos temas que puedes escuchar del tirón (yo lo acabo de hacer). Nacho es famoso por sus letras pero la selección sería interminable así que escuchad el disco que las letras se escuchan, no se leen. El álbum se abre con noches árticas, la favorita del Gus y en la que canta con Jota. Un temazo pero engañoso si no conoces al autor, no hay ni rastro del folk-rock que domina el álbum. Te la dejo Gus. Si seguimos por el primer cd me paro en las depresivas al máximo el mundo en calma o solo viento, en la super yonkee oda a la heroína en el jardín de la duermevela y, por supuesto, en la sed mortal, el tema más celebrado del disco, una canción en la que Nacho desde la mesa de un bar de Malasaña y acompañado por un payaso borracho va pidiendo perdón por todas sus maldades y las de la humanidad. En verdad le copió la idea del tema a Nick Cave pero si él no lo hubiera dicho nadie se hubiera enterao. Un temita mu chulo.

El segundo compact empieza con el salitre, genial, la pondré en la gramola. Seguimos de bajona con Mark Spitz y vamos hacia el rock de Stanislavsky pasando por el rollo de puticlub berlinés de gang bang , otro gran tema aunque culpable del desastre, no diré más, no pienso nombrarlo... etcétera es otra de las mías y el folklore asturiano de la canción de la duermevela está muy bien, es el germen de Lucas 15.

He de reconocer que no todos los temas me gustan pero pocos discos me han afectado tanto. Será porque Vegas es un señor pero que muy afectado aunque viva como quiere y se beneficie a la Rosenvinge

En definitiva," cuanto sufro, cuanto me drogo", otra de las cosas que le decían los fans de Manta Ray pa reirse de él...

Cajas de música difíciles de parar

GRUPO DE EXPERTOS SOL Y NIEVE- Alegato Meridional

Sureños, se nota en el compás…

Montero Castillo y Aguirre Suárez, los centrales del Granada de los 70, la lían.
Bajo este pseudónimo presentaron el J (sí, el de los Planetas) y su colega Manuel Ferrón, este proyecto en sus inicios. Más adelante, se incorporaron Victor Lápido (guitarrista de Lagartija Nick), Miguel (bajista de Los Planetas), y Antonio Lomas (2ºbateria de Lori Meyers, y ex de 091), completando de esta forma el Grupo de Expertos. Originalidad y naturalidad sin pretensiones, pero con toda la ambición…

Quien crea que va a escuchar algo parecido a Los Planetas está equivocado. En primer lugar por las voces, J exagera el acento granaíno y se le entiende bastante más, además no es el único cantante, comparte este protagonismo con el citado Manu Ferrón. Por otra parte el estilo musical, nada de guitarreos y distorsiones, el disco transmite tranquilidad, calidez, y aroma sureño, con temas que van desde el Folk al country, pasando por melodías pop agradables y hasta una sevillana!. Y en tercer lugar, y como seña de identidad del disco, las letras, en contraposición a los temas planetarios de desamor y drogas, el grupo de expertos presenta unos textos divertidos, con sentido del humor y poca vergüenza, letras sobre la vida del sur, sobre lo que nos gusta enrearnos, y lo felices que somos sin prisas.

El disco comienza con la canción que quizás tenga los aires más planetarios “El sur, el mediodía y la libertad”, pero seguidamente viene el pausado “Alegato meridional” una forma ideal de dejar de pensar para seguir dando guerra…, y más adelante “una muerte lenta y dolorosa” temasso.

Y después tela, lo siento, se que me va a quedar un artículo demasiado largo, pero no me resisto a escribir fragmentos de varias canciones (sólo los títulos ya reflejan el denominador común del disco):

…además de la prensa de la mañana, mi vida tiene arrugas de camisa mal planchada. Curvas cerradas, gambas y jamón, y un montón de idiotas en televisión. (todo lo demás)

…con toda la ambición que cabe en una raja de sandía, en una convención de rabos de melocotón nadando en un vasito de sangría. Después de medio día tumbado al sol, decido que no es una tontería decir que no. Y digo, no hace falta que coincida con mi opinión (no hace falta)

…si eso ya me paso por allí, es que estoy en casa de un colega. No obstante yo que sé, si eso luego ya veré, ¡venga! (se ve que hay calidad)

...déjame que descanse un rato al sol, déjame vivir con alegría, si he pescado bastante para hoy, mañana será otro día, no faltará un caracol (déjame vivir con alegria- versión de vainica doble)

…tengo una pila de cosas que hacer esta mañana, voy a dejarlas hasta después de comer que ahora no tengo ganas. Voy a pegarme una siesta después, me lo merezco, que habrá que descansar alguna vez un día de estos (una pila de cosas).

…al paso que vamos, ya no llegamos, mejor lo dejamos correr. Ya nos daremos más prisa la próxima vez (la próxima vez)

…pero no voy a ir a ningún sitio. Si acaso una en el Ruido. Pero una na' más y nos subimos. Echa otra y ya está y luego nos subimos. Ponte la última ya y luego decidimos (par de flamenquines)

Dicen ellos de ‘Alegato Meridional’ que “no es otra cosa que un discurso a favor del sur y el mediodía, una reivindicación del hogar: del lugar y las personas con las que se convive en armonía”.
Ni está muy bien, ni está muy mal, ya sabes tú, se ve que hay calidad.

PEREZA- Los Amigos de los Animales

Pereza.

Rubén y Leiva. Vamos a evitar hacer prejuicios sobre este grupo para poder valorar el disco. Es cierto que van de niñatos, de güays, y, como dijo Pedro, también puede que sean muy malos. No les ayudó mucho cuando se dieron a conocer cantando una ñoñada con El Canto del Loco y Hombres G.

A su favor hay que decir que uno de ellos, creo que Leiva, colabora con Quique González en Avería y Redención, con Iván Ferreiro en la composición de algunas canciones de su último disco, "Canción húmeda" entre ellas. Llevan cinco discos a sus espaldas, q no es poco. Es decir, que algo tendrán.

Los Amigos de los Animales sale en 2006 como consecuencia del pelotazo que supuso su disco anterior, "Animales". Pereza formó parte del proyecto "Laboratorio Ñ", una serie de grupos y músicos reunidos en Argentina para hablar de música, composiciones y meterse todo lo q no hubiese en los escritos. Pues bien, supongo que para los Pereza este encuentro ha favorecido que varios artistas colaboren en este disco. Supongo que tendrá una buena base de fines comerciales, pero desconozco el tema de la discográfica de cada uno y toda esa parafernalia.

Los Amigos de los Animales está compuesto por 15 temas diversos, el disco en sí no guarda ninguna relación entre canciones (hay discos muy elaborados que tampoco la tienen, o yo no la veo). Yo veo este disco como una fiesta que se pegan los Pereza con lo más golfo de la música española. Para darle un pequeño toque de originalidad, que sepáis que el otro día escuchándolo empecé a relacionar las canciones con los miembros de la peña.

Me explico, al Master le pega la canción "Matar al cartero", con Deluxe. Un tema guitarrero de un tío hecho polvo q no guarda rencor a nada ni nadie, pero que culpa al "cartero" de que no le lleguen cartas .. "no llegan cartas desde hace tiempo creo que voy a matar al cartero". Es uno de los que más me gustan del disco.

A Pedro le dedico "Niña de papá" con Sidonie. Según los críticos, la mejor canción. Ya que Sidonie la combina con una canción suya, "Fascinado". El argumento queda evidente con el título, niña consentida que no le falta de nada.

"Todo" con Iván Ferreiro es para el Fredy. A todos nos sonará esta canción sensual-erótico-festiva que nos pone cachondísimos hasta alcanzar el éxtasis-orgásmico. Iván en su puta línea. Crack. "solos rozándonos todo, sudando, cachondos,volviéndonos locos, teniendo cachorros ..."

"En donde estés", con Alba Molina y Niño Josele. Esta canción es compartida para el Pato e Iván. El argumento no es para tirar cohetes. Una relación que se termina y una de las partes ruega una oportunidad. Nada novedoso, pero la canción es tela de melancólica. Con el Niño Josele a la guitarra hasta las canciones de Pereza parecen buenas (diría alguno). Seguimos ...

Esta es para Diego .... "Superjunkies" con Delinqüentes. Juerga asegurada. Ratón a la guitarra y pitos chirigoteros acompañan este tema que ironiza sobre cómo los niños están super-contentos ya que sus super-héroes se meten de todo, fíjate tú los que van a hablar. "los niños pueden estar contentos, sus héroes se ponen ciegos muy ciegos ...".

Para Juanlu y Carlos es "como los tienes tú", con Burundy. Es la canción que abre el disco, esta versión es más lenta que la original y habla de las indecisiones. Bunbury, como siempre, enorme. Con guitarra acústica hace, prácticamente suya, esta canción. Con esta no me gana nadie en el Singstar, que lo sepáis.

"Pelos de punta" con Burning. También es para Iván, que ha pillado dos. El motivo es porque tiene un poquito de blues (blues de garrafón) y la canción está chulísima. Tinte canalla. Degenerado total.

"Madrid", por motivos obvios, me la quedo. La canta con Cristina Rosenvinge, sí la que nos pone burros a todos. Es una canción ñoña que habla de, simplemente, un paseíto por Madrid. El Sr. Ferreiro hace una versión tela de emotiva de esta canción en uno de sus conciertos.

Si me olvido de alguien le doy "Algo para cantar" con Coque Malla. Tintes rockeros como los hay también en "el Mánager" con Ariel Rot, más bien rock and rollera diría yo. También está "Si quieres bailamos" con Quique González, a mí me gusta más el Quique de las canciones lentas y esta no lo es.

"La noria" con Amaral, ni fú ni fa. "Animales" con Carlos Tarque es muy buena, canción salvaje que gana mucho con la voz del M-Clan. "Caramelo" con Kevin Johanssen, un personaje muy conocido en Argentina conocido como "el Piojo" Johanssen debido al parecido con el piojo López. Una canción también muy sensual y acaremalada, claro, como dice el título. Con el tiempo llega a ser empalagosa. El disco se cierra con "Música Ligera" con Pastora, una canción un tanto rara y psicodélica que no me extrañaría que incluso gustasen al Pato y, porqué no, a Pedro.

Esto es todo amigos. Creo q me he enrollao más de la cuenta. No joderme, haced de tripas corazón y escuchar el disquito q me he tirao akí un buen ratito.

http://rapidshare.com/files/55773275/Los_Amigos_de_los_Animales__2006_.zip

¿Sabéis qué es lo que más me gusta de esta sección? Que parece que todos tenemos guardado un as en la manga. No he visto Niños Mutantes, Quique González, Rosendo, Extremoduro, Rolling Stones, por supuesto Andrés. En fin, viva todo !

Se abre la veda .... (no me déis mucha cañita)

el video de rigor

LOS SUAVES. Santa Compaña

Bueno ya iba tocando disco nuevo y ahí está. Me consta que éste no va a tener la aceptación que tuvo el enorme TEN, pero este disco es para mí lo que el TEN es para Pedro, un disco que supone un antes y un después. No es que sea el disco que más he escuchado en mi vida, pero casi y es muy posible que su primer tema: El afilador sea una de mis canciones favoritas del mundo.

Este disco me lo compré por la friolera de 795 pelas, 4.7 € (ahí queda eso) en CONTINENTE (ahí queda eso) allá por el año 96 (ahí queda eso). El disco se edita en 1994, pero yo por entonces ni de lejos me habría asomado al rock español (ni al de ningún sitio). Así que éste supuso mi primer acercamiento a un mundo en el pronto entré de lleno.

Quién me introdujo en el mundo Suave fue una mujer (ahí queda eso), Cocó, que tenía un hermano absolutamente apasionado por la música y que tenía a estos paisanos suyos como a uno de sus grupos de cabecera. Ella supo asumir una música que, a priori, muchas mujeres aborrecerían y eso me permitió a mí llegar a Yosi & Cía. Gracias a ella este grupo es el único español de los que tengo la discografía completa (bueno,me falta el Frankenstein, pero es que no lo encuentro ni para Dios) y, aunque, los tenga un poco abandonados, en breve volveré a ellos, porque a los grupos buenos y que han marcado una (en lo personal me refiero) época siempre se vuelve.

En mi haber me apunto que fui yo quien le enseñó a Iván quiénes eran éstos. Sé que el Master se lo querrá apuntar, pero recuerdo perfectamente a Iván en mi casa y yo poniéndole una cinta que Cocó me grabó, preguntándole qué le parecían. Su respuesta fue doble: "Coño, y como es que yo no conozco a esta gente" y "Joder, que suerte tener una novia que le guste la buena música".

Del grupo se pueden decir muchas cosas: que son buenísimos, que nacen a fines de los 70 pero que hasta finales de los 80 no surge más o menos como los conocemos hoy, que fueron los teloneros de los Ramones y pegaron un pelotazo y eso les llevó a grabar sus primeras piezas, que lo fundaron tres hermanos de los cuales sólo quedan dos en el grupo: Yosi y Charly (el bajista), que tienen uno de los mejores guitarristas de rock de España, el gran Alberto Cereijo, que tienen 11 discos y mil cosas más. ´

A mí el que más me gusta es éste que os traigo aquí, supongo que por la carga que tiene. Puede que el "Víspera de todos los Santos"sea mejor, pero me quedo con éste. Por el homenaje a Jimmy Hendrix, por la acústica y depresiva "No me mires", por la triste y potente "Si pudiera" y por la misteriosa y angustiosa "Santa Compaña" con la que cierra el disco.

Iván dice que Yosi es uno de los mejores letristas de España y, sin duda, el más depresivo. Seguramente será cierto. Que depresión, pero que fuerza.

Desde hace unos años, exactamente desde el concierto al que fuimos Iván y yo en Chipiona (puede hacer 7 años de aquello), decidimos que teníamos que organizar una excursión a Ourense para conocer a Yosi antes de que el alcohol lo haga papilla definitivamente. Hace 7 años y Yosi no ha frenado, Iván se nos pasa el tiempo y Yosi cada vez se parece más al de la portada de "El jardín de las delicias"

Por cierto, el grupo lo fundaron los tres hermnanos Dominguez. De ellos, dos siguen y el otro ahora es profe de Historia en la universidad...

Iba a colgar un vídeo del "Palabras para Julia", pero iba a dar una imagen demasiado negativa de Yosi (la verdad es que es una imagen real, pero, qué queréis, no me apetece). Así que me he dedicido por esta mucho más divertida de los años 80 en las que Yosi ni se desnudaba ni nada. El Playback es de 10 y no, Alberto Cereijo no es negro.

DIOS ES SUAVE.

pearl jam - TEN

17 years ago. Su puta madre.

¿Y qué os digo yo del Ten que vosotros no sepais?. Pues pa empezar que posiblemente sea el disco que más he escuchado en mi vida, que el Black posiblemente sea el tema que más he escuchado en mi vida y que el Eddie Vedder para mi es el mejor cantante de rock del mundo y el tipo que más admiro dentro de la música. Así de fácil.

El disco lo debeis tener todos, así que en lugar de intentar vendéroslo os hablaré más de mi relación personal con él. Espero que vosotros hagais lo mismo con vuestros comentarios.

Ten salió al mercado en verano de 1991 pero yo no me hice con él hasta 1993 cuando me grabé una cinta de mi prima que tenía el diez por una cara y el recien salido vs por la otra. Antes había escuchado por ahí el alive o el jeremy (hoy cuesta creer que por entonces todas las radiofórmulas se hartaran de poner a nirvana, g´n´r, metallica, soundgarden...) pero fue con este cassette con el que yo me hice incondicional de la banda, no escuchaba otra cosa. A partir de ahí me fui comprando todos los álbumes tal y como iban saliendo y se convirtieron durante muchos años en mi grupo favorito . Hoy día reconozco que los tengo casi olvidados, de hecho, sus dos últimos trabajos apenas los he escuchado y ya sólo de vez en cuando me pongo el ten, el vitalogy o el no code. El primero, el auténtico y el diferente. No sé cual de los tres es mejor pero si me tengo que quedar con uno siempre será con el Ten, por todo lo q conlleva.

Casi todos los expertos intentan sacar a Pearl Jam del grunge, yo no. A mi, curiosamente, me encantan las etiquetas. Es cierto que son más setenteros y comprometidos que el resto de las bandas grunge pero, coño, son de Seattle, hacen rock sucio y las letras son las típicas de la generación x, desencanto y angustia por todos lados. Son grunge. Greñas y vaqueros rotos ¿Os suena?Viva el grunge.

Muchos temazos en el ten... seguramente todos. El single de lanzamiento fue Even flow, para muchos la mejor canción de Pearl Jam, buenísima pero no le echaron mucha cuenta. Luego vino Alive, todo un himno obligado en los directos con su solazo de guitarra, te pone las pilas y eso que trata de un tema tan inquietante como el incesto. El tercer y último sencillo fue el tema que les hizo superfamosos, el Jeremy. A mi es la canción que menos me gusta del disco pero entiendo que triunfase. Jeremy era un niño real que se suicidó en el colegio delante de sus compañeros poco antes de grabarse el álbun. A Vedder le conmovió tanto el caso que le hizo una canción que a la gente le llegó mucho porque el tema estaba muy reciente. En el videoclip se veía cómo Jeremy se ponía la pistola en la boca y disparaba. Esto fue censurado y Pearl Jam , con el mosqueo, se pasaron muchos años sin hacer un vídeo.

Del resto me gustan todas. La guitarrera Once (Once upon a time I could control myself ), la preciosa Oceans, la nerviosa Deep o la grandiosa Oceans son canciones casi perfectas pero si tengo que elegir para mi las mejores son Porch y Black.

Con porch me vengo arriba: "Hear my name, take a good look This could be the day ..."

Con black me vengo abajo, tristísima, doliente, pesimista, hermosísima, carne de gallina, sobre todo desde el "I know someday you'll have a beautiful life". Pffffffuuuuuuuu, tremenda. Os dejo un vídeo de un directo pa que veais como la siente el Eddie. La habrá cantao miles de veces pero se sigue y te sigue emocionando. Lo dicho, el mejor.

¿Por qué se llama diez el álbum debut de una banda? Homenaje a Mookey Blaylock, ¿os acordais? Un jugador de basket que llevaba el 10. El grupo se llamaba antes como el nota ese pero por miedo a que los denunciara cambiaron a Pearl Jam. ¿Por qué Pearl Jam? Hay varias teorías...

OASIS- (What´s the Story) Morning Glory?

Los chicos malos de Manchester: los Gallagher.

Si con “Definitely Maybe”, su primer disco, la liaron, convirtiéndose en el disco de debut que más rápido vendió 10 millones de copias, con este segundo trabajo, "(What's the Story) Morning Glory?", grabado en el 95, Oasis alcanza sus mayores cotas de éxito. Vendiéndolo todo, llenando estadios, y alcanzando números unos con cada single.

Es en ésta época cuando tiene lugar la batalla del BRITPOP (Oasis vs. Blur). El origen fue el lanzamiento por ambas bandas de un single el mismo día (“Roll with it”-Oasis, “Country house”-Blur). Al parecer Blur adelantó la salida del suyo para que coincidiesen. La batalla de ventas de ese single la ganó blur (teniendo en cuenta que era el primer single del disco The Great Scape, mientras en el caso de Oasis se trataba ya del segundo (“Some Might Say” había barrido unos meses antes), pero la guerra la ganó Oasis que arrasó con el disco no sólo en el Reino Unido sino a nivel mundial.

A estas alturas no creo que haga falta que presente mucho a Oasis, Noel Gallagher, el compositor y guitarrista, Liam Gallagher, cantante y pandereta (jeje), y el resto de la formación ha ido cambiando con los años por el carácter de los hermanitos, auténticos rockstars, fiesteros, hooligans y liantes.

El disco, para mi es excepcional, quizás no tan crudo como el primero, ni tan bien producido como el tercero, y quizás por eso es el mejor. Comienza con las primeras notas del Wonderwall e inmediatamente son pisadas por la frenética “Hello”, seguidamente temazo britpop “Roll with it” y uno de sus himnos “Wonderwall” (ahora sí), guitarrita, violines y la voz de Liam (I don't believe that anybody. Feels the way I do about you now), y otra maravilla “Don´t look back in anger” cantada por Noel, qué dulzura!, después la citada anteriormente como primer single y primer éxito del disco “Some Might Say”, le siguen dos temas más melódicos "Cast No Shadow”, dedicado al cantante de The Verve, y “She´s electric”. A continuación “Morning Glory” que comienza con la frase que utiliza Noel para abrir los conciertos consiguiendo que la gente se venga arriba desde el minuto cero (All your dreams are made. When you're chained to your mirror with your razor blade). El disco se cierra con la psicodélica “Champagne Supernova”, considerada por ellos como la mejor de su discografía.

En la gramola, la exquisitez: “Don´t look Back In Anger”, la balada de Oasis por excelencia.

...boca pegada al micrófono, gafas del sol, manos en la espalda, sosteniendo en una de ellas una pandereta...
“Please don’t put your life in the hands of a Rock n Roll band.Who’ll throw it all away...”

BEBO VALDÉS Y DIEGO EL CIGALA- Lágrimas Negras

No sin incovenientes, pero aquí ando intentando publicar esto..espero que os guste (algún día os contaré con detalles mis odiseas).
Este disco me llegó de casualidad: un día hace 4 o 5 años por indicación de mi "primo" Manolo Enamorado me entero que existía un tal Cigala que había sacado un discazo con el señor Bebo Valdés. Escucho la crítica poniéndola por los cielos y me empiezo a interesar por como un cubano prácticamente hundido y un gitanaco de los que hacía tiempo que no veía montan un tinglao de estos cantando coplas y tangos con un piano y encima aflamencando el asunto...vamos que la cosa para mi gusto "prometía" tela. Así que me pillo mi emule, me lo bajo y simplemente alucino, termino de escucharlo y hasta la cantada en portugues o brasileño me flipa (que después me enteré que era de Caetano Veloso, tío que no aguanto).
Hacía mucho tiempo que no me llegaba algo de música tan directo y tan alucinante. Pienso que muchas veces el escuchar música es más que nada un estado de ánimo, y de vez en cuando creo que ese día podría haber escuchado cualquier cosa que lo hubiera flipado, pero lo he seguido escuchando muchas veces después y nunca me he canso de hacerlo. No puedo hablar de aspectos técnicos ni de quien es uno u otro porque tengo poca idea, pero sinceramente poco me importa, sólo me hace falta escucharlo para saber que para mí es una autentica obra de arte. Como perla de mayor tamaño me quedo con "Corazón Loco", mí preferida de todas.
Con el tiempo supe que El Cigala es familia de Rafael Farinas y que Bebo es dios para muchos, que el disco es parte de un proyecto que dirige Trueba, pero me repito en lo anteriormente comentado: me importa poco cuando salen estas joyitas.

PONY BRAVO- Si bajo de espaldas no me da miedo

Hola amiguetes!! pues aquí me tenéis he tardado mucho tiempo en arrancarme pero al final me he decidido a publicar un disco,eso si con la inestimable ayuda del Peter porque si no...crudo,crudo.

Deciros que no pienso para nada en escribir el tocho ese que suelen poner la peña aquí porque no!! jaja!!!

Solo contaros que fui a un concierto de los Pony Bravo porque leí un articulo de ellos en una revista y fui a verlos al concierto.

Me gustaron,me compre el disco (el primero por cierto)y ahora mismo no paro de escucharlo.Me llamaron la atención porque hacia tiempo que no escuchaba algo diferente y mas si son de nuestra amada tierra Sevilla.

A continuación voy a poneros el articulo que leí en la revista ya mencionada para que tengáis mas informacion.

Pony Bravo, el grupo sevillano del momento, se formó a finales de 2005 y en su primer año de vida quedó como semifinalista en el Proyecto Demo, así como en el Bilborock, ambos en 2006. La mezcla de experimentación, investigación, humor y ritmo y el afán del grupo andaluz por generar ideas nuevas cada día hacen de Pony Bravo una acertada elección para la clausura de este festival que, a lo largo de 12 días se convertirá en escaparate de la escena contemporánea. feSt 2008 se despedirá con sabor al rock andaluz más actual, pero teniendo muy presente el rock andaluz que se hizo en Sevilla en los 70 y añadiendo ingredientes como el blues, el reggae jamaicano (años 60-70), la música etiope (años 60-70) y el rock americano.
Daniel Alonso (voz y teclados) Darío del Moral (bajo y guitarra) Pablo Peña (bajo y guitarra) y Javier Rivera (batería) consiguen en sus conciertos hacer visibles las líneas y formas antiguas que conectan el blues con el flamenco, la música africana y árabe con la andaluza, el western con la copla. A través de su música son capaces de establecer analogías entre Rancho y Cortijo, Son House y Caracol, Captain Beefheart y Beni de Cádiz, Nina Simone y Lole, Silvio y Tom Waits.

Bueno chicos espero que os guste ó no y que seais felices!!!!!

Un abrazo fuerte para todos!!!!!

Por cierto la pagina de los Ponys donde podeis escuchar alguna cancion de ellos es http://www.ponybravo.com/

IVAN FERREIRO- Mentiroso Mentiroso

Bueno, no es un disco clásico para nada, de hecho tiene algunas semanas, pero no por ello va a pasar inadvertido para nosotros, no? y más teniendo en cuenta que quedan pocos días para el concierto (aún soy seria duda).
Pues eso, tercer disco de Iván Ferreiro, ex de Piratas, .. .patatín patatán. Es un disco distinto a los dos anteriores, más elaborado musicalmente hablando, no tanto con las letras. Le ha echado dos huevos el amigo Iván al colgar su disco en su web-blog días antes de su venta. Supongo que ya sabéis que la presentación del disco viene en formato libro con cómics representando cada una de las canciones que componen el disco. La verdad se ha estrujado el tarro y los cómics son guapísimos.
Toda la idea del disco gira en torno a la mentira, las dobles negaciones, las distintas personalidades. Quizás ha perdido esas canciones agresivas que tanto me gustan de Iván, que tan buenas hicieron "Las Siete y media"; es un disco más calculador, menos espontáneo.

Sabéis que el primer single, lo comentamos aquí, "Mentiroso mentiroso" fue interpretado en el vídeo por Oscar Jaenada (yo no sabía que se llamaba así hasta que me lo aclarasteis), y me parece la canción más representativa del disco, además de por su nombre, por el contenido. (es mi canción candidata a dar comienzo al concierto).

Destacaría "Toda la verdad" (en el vídeo que espero incluir más adelante) por recordarme bastante al Iván de Piratas, y es que "sólo hay mentira si con ello lo que quieres es decir toda la verdad". En el mismo saco, dándole aires al "Relax" de Piratas tenemos "Canción húmeda" (canción de tintes sensuales que en directo tiene que sonar tela de bien que, según se rumorea, coescrita con Leiva de Pereza) y "Canción sin con pasión", de nuevo con las contradicciones.

"De mi un pandero" y "Jet Lag" son canciones demasiado dulces, casi empalagosas, muy tiernas, rozando el ñoñismo. La primera versión cabaretesca como decía Gus y que va a más según avanza; y la segunda habla de una ruptura debido a la distancia y tal. Jet Lag tiene algo de "El palacio de las flores" de Calamaro que no acaba de convencer, melodías de películas Ozores. No es mala canción, pero tiene algo que no me acaba de convencer.

La mejor parte del disco, como decía Pedro, NYC (puede convertirse en un clásico de Ferreiro), la paranoica "Personalidad múltiple" (el infinito nos convierte en números irracionales), "la canción del no", "Meteoro y el Señor Conejo" que habla, efectivamente, o así lo entiendo yo, de su ruptura con Piratas, aunque no entiendo la frase "estaré muy cerca de ahí para librar a toda la ciudad"; y, por supuesto, "Rocco Sigfredi".

Varios apuntes respecto a Rocco Sigfredi.

Precisamente la canción habla de egos... Yo soy yo aunque no sea Rocco Sifredi. No hace falta ser Rocco para sentirte bien contigo mismo. Gracias a Dios la vida no es cuestión del tamaño de la pollas. ¡Gracias a Dios! (Diario de Navarra)

¿Y por qué dedicar una canción a Rocco Siffredi?-

Viene un poco relacionado con lo anterior, añadí la g para que fuese más bonito al cantar (risas). Tiene que ver con los mitos, con las grandes inseguridades de los hombres, el tamaño de su pene. Hay que ser feliz con el tamaño que se tiene.- Le inspiró, quizás, una mala noche...- No, fue después de una buena noche, pero trasladada al ámbito de los músicos. Calamaro, Sabina... la tienen más grande que la tuya. Si para ser feliz tengo que tener la polla más grande del mundo, estoy jodido, porque sólo uno sería feliz en todo el planeta.-¡Siempre son otros! (Faro de Vigo)

Queda todo dicho, "Rocco Sigfredi", con g para que fuese más bonito al cantarla es uno de mis temas favoritos aunque, a día de hoy, no sepa aún de qué habla exactamente. Me encanta el guiño a Quique González "Avería y redención para ponerlo todo en una canción".

Tengo mi teoría acerca de la última canción, y es que "Magia" ... es magia. No se puede cerrar un disco con mejor canción.

Disco de crack.

Micah P. Hinson and the Opera Circuit

Ya que no se arrancan ni Fredy ni Jose os voy a vender un poquito la moto. Sé que no voy a conseguir que ninguno os vengais el sábado a verlo pero trataré de que, al menos, os arrepintais.
Con esa cara de pringao que gasta el muchacho, Micah P. Hinson ha vivido a sus 26 años lo suficiente como para que Holliwood le dedicara una trilogía completa. Nacido en Memphis y criado en Texas, Micah era un skater adolescente que conoció y se enamoró de la viuda de una estrella del rock que se aprovechó de él y le metió en la mala vida. Perdió casa, familia, coche y acabó en la carcel a los 19. Cuando salió vivió como indigente un tiempo y trabajó de cualquier cosa hasta que en 2004 , gracias a la ayuda de sus colegas, consigue grabar su primer disco Micah P. Hinson and the gospel of progress, un discazo casi mejor que este y que fue unánimente bien acogido por la crítica. El éxito le llevó a volver al buen camino, abandonó las drogas y sacó el excelente ep The baby and the satellite pero un día con los amigos un fredychico de la vida le dio un "amistoso" golpecito en las lumbares que, unido a una interminable gira, lo dejó meses postrado en la cama. Se tenía que mover con andador, no salía de casa y los señores doctores empezaron a recetarle todo tipo de drogas pa mitigar su dolor. En este ambiente se gesta Micah P. Hinson and the Opera Circuit, el disquito que hemos escogido.
Ahora me doy cuenta de que no he dicho nada del tipo de música que hace. Fundamentalmente se dedica a la americana, el típico songwriter yankee que mezcla folk, country o soul y que tan de moda han estado últimamente desde que aparecieron Devendra Banhart, Iron & Wine, Bonnie Prince Billy, etc, etc etc, Quizás Micah sea el más triste de todos pero también quizás sea el mejor. El dolor es un referente en su obra pero en the opera circuit se muestra de una forma mucho más contenida y mejor canalizado que en su primer álbum, más recargado y grandilocuente que el segundo, aunque también más impactante creo. El hilo conductor de este dolor es la personalísima voz de Micah, una voz a lo Tom Waits, grave y profunda, que pone los pelos de punta. En directo dicen que es sobrecogedor. Los temas que más me gustan son jackeyed, seems almost impossible, its been so long, drift off to sleep, you are only the lonely y don´t leave me now. Son temas variaditos dentro de lo que cabe en este estilo y en muchos de ellos se ve el ambiente de jam session a lo bestia que tuvo que ser la casa del convaleciente señor Hinson durante esos meses. La gente iba a su casa y allí grababan como podían. Y 11 grandes temas que quedaron...Disco del año 2006 pa numerosas publicaciones anglosajonas.
A día de hoy Micah acaba de sacar un ep adelanto de su inminente tercer álbum y está de gira por España. El sábado toca en Sevilla por segunda vez (estuvo en un South Pop) y me parece que volveré a perdérmelo.
No he encontrado ningún videoclip del opera circuit, así q os pongo un directo. El sonido no es bueno y el tío parece un mongolito pero se ve que hay calidad ¿no?

it´s been so long

http://www.savefile.com/files/175309

MORENTE Y LAGARTIJA NICK- Omega

Flamenco con mayúsculas.
Teniendo en cuenta que el objetivo principal de la sección es compartir discos que supongan algo especial para quien escribe, ya tocaba que comentara Omega, quizás uno de los pocos discos que haya conseguido hacerme llorar, y no por recordarme ningún momento significativo de mi vida, sino por la música en sí misma.

Omega se grabó en el 96, y es un disco en el que colaboran Enrique Morente y Lagartija Nick, poniendo música a los versos ”Poeta en Nueva York” de Federico García Lorca y versionando algunos temas de Leonard Cohen. Además participan Estrella Morente, Tomatito y Vicente Amigo entre otros, cualquier cosa vamos.

Enrique Morente me puede. No entiendo mucho de flamenco, no tanto como quisiera, pero lo suficiente para saber que este tio es un genio, alguién que siempre ha tenido una visión renovadora del flamenco, sin perder en ningún momento la compostura y la elegancia, y que ha participado en proyectos arriesgados mezclando todo tipo de músicas (arabe, rock, gregoriana, etc.) acercando el flamenco a un público que tal vez no llegaba a valorarlo.

Por otra parte, Lagartija Nick, el grupo más alternativo y anticonvencional de la época, alejado completamente de lo comercial y atreviéndose con auténticas rarezas, logra mantener el nivel del disco, con su densidad sonora, ruido y oscuridad.

El disco fue un acontecimiento, ya que supuso la fusión (qué poco me gusta esta palabra!) entre el flamenco y el rock, que ya había marcado unos años antes Camaron con su Leyenda del Tiempo. Es dificil, místico, denso, hay que dejarse llevar y escucharlo muchas veces, pero cuando lo haces tuyo es adictivo, cada cierto tiempo, te lo pide el cuerpo.

Aunque es una joya en su conjunto, voy a atreverme a destacar “La aurora de Nueva York”, “Norma y paraiso de los negros”, “Manhattan” y “Pequeño Vals vienés” (que igual a alguno os suena...).

No escribo más, prefiero que cante Enrique.

John Zorn en Sevilla

Todavía no ha pasado una semana desde que Juanlu publicase el último artículo, pero es que esto no es sobre un disco (aunque se hará mención a alguno), sino sobre un concierto. El Viernes 4 de Abril aterriza en nuestra ciudad John Zorn, músico norteamericano de ascendencia judía. En teoría es saxofonista, pero como pasa con algunos de estos monstruos de la música, le quedaría mejor la etiqueta de "multiinstrumentista" (si cuesta escribirlo, imagínate serlo). Tanto es así que, en muchos de sus (aproximadamente) 100 discos, toca otros instrumentos o, directamente, no toca. Sí, efectivamente, parece imposible que alguien haya editado tanto material, máxime cuando todavía ronda los 55. A mí me parece que este tío, en algunos aspectos, ha tomado el relevo del Maestro Zappa (éste último murió con 53 y pasaba de la sesentena de títulos, dejando montañas de material original inédito para su posterior explotación), aunque esto bien podría ocuparnos otra buena serie de artículos, dada la entidad de los personajes a comparar.

John Zorn - "Dreamers"

Retomando el asunto, viene a tocar al Central a las 21:00 horas, con un precio por entrada de 14 Euros (muy razonable). Parece ser que le acompañan Marc Ribot a la guitarra, Joey Baron en la batería y Trevor Dunn al bajo (vaya tres bestias). Puede ser que él eche mano del saxo en algún tema, pero su participación en el espectáculo es para mí, y a día de hoy, un interesante misterio. Podrían venir acompañados del increíble percusionista Cyro Baptista, pero esto tamoco lo tengo confirmado. El caso es que, entre otro material, vienen presentando un fascinante y reciente último trabajo (que mañana iré a buscar a la FNAC), llamado The Dreamers. Tuve la oportunidad de escucharlo ayer en casa de mi amigo David (Zappa) tres veces consecutivas, y me ha parecido muy, muy bueno. Parece ser que lo interpretan íntegro en directo. Si a alguno os da el punto de bajaros algo, éste podría ser un muy buen título (por audible). Las entradas se pondrán a la venta por Servicaixa (teléfono, cajeros y web) el Lunes 24. Son numeradas. Si alguien lo prefiere, no tengo inconveniente en encargarme de pillárselas, ya que yo voy a estar atento para intentar comprar las mejor situadas posibles.

El de abajo es el ex-vocalista de Faith No More y creador de Mr. Bungle, Fantomas, Tomahawk,... ¡Mr. Mike Patton!.




Y si alguien quiere rizar el rizo, el día antes, Jueves 3 de Abril, toca también en Madrid, con el añadido de tener al mítico Mike Patton en el escenario, encargado de las voces más extremas que hayáis podido escuchar en vuestra vida. Si alguno quiere obtener una muestra de lo que estos pollos pueden parir juntos, bajaos, por ejemplo "Six Litanies for Heliogabalus". Se os van a caer los mocos. Yo me he pedido un par de días de vacaciones y estaré en la Joy Slava de Madrid viendo a Patton con Zorn y los demás. No me los perdería juntos y en directo por nada del mundo. Va a ser un sueño cumplido. La entrada de Madrid son 30 pavazos.

Para los amantes de las etiquetas, podríamos intentar encuadrar agunas de las obras de Zorn como Avantgarde, Free-Jazz, Noise, Klezmer y un larguísimo etcétera que no nos permitiría hacernos ni la más mínima idea de lo que este genio esconde en sus imposibles de encontrar, carísimos e infinitos discos.

JETHRO TULL- Thick as a Brick

Si querían un giro, aquí lo tienen. Si querían cambiar el paso, ahí está. Si querían un planteamiento distinto, léanlo y óiganlo. Merece la pena.
Bueno, pues tras esta introducción un poco sui géneris, aquí cuelgo el nuevo disco de esta septimania que nos contempla.
Creo que ya hacía falta coger al toro por los cuernos y recuperar alguno de los clásicos. Este texto lo debería colgar el amigo Iván que para eso sabe toneladas de cosas más que yo, pero como no le sale de los huevos, pues ahí me quito complejos y lo pongo yo, y así de camino, quien sabe, se siente más cómodo y le da por poner algo.
En fin, Jethro Tull, como todo el mundo sabe, es el nombre de un personaje inglés que, allá por 1730, inventó una sembradora que permitía sembrar las semillas más rápidamente y a más profundidad, con lo que se ahorraba mano de obra y semillas. Éste fue uno de los inventos que permitieron la evolución agrícola necesaria para que se produjera la revolución industrial iniciada apenas 20 años después.
Pero Jethro Tull es también el nombre de una de las mejores bandas de rock de los 70, y por lo tanto de la Historia. Por enmarcarlo en algún sitio diríamos que pertenece al Rock progresivo que lideraran los fastuosos King Crimson, aunque algunos autores hablan de Jethro Tull como un grupo de “rock medieval”(¿?).
La discografía de esta banda británica liderada por Ian Anderson está llena de grandes discos pero, personalmente, el más completo y de más calidad, creo que es el que aquí os pongo: “Thick as a Brick”.
El disco fue publicado en 1972 (el mismo año que el enorme “Live in Japan” de los Deep Purple) y supuso casi una revolución por cuanto se presenta como una única canción de 45 minutos (dividida en dos partes por razones obvias… había que darle la vuelta al disco para poner la cara B, ¿os acordáis?). Los críticos hablan de un disco conceptual, lo cual fue poco menos que una reacción de Anderson, en respuesta a lo que dijeron de su “Aqualung” (otro superdisco).
La letra, llena de guiños y con cierto toque surrealista propio de la época, está basado en un supuesto poema de un supuesto niño prodigio, editado en un supuesto periódico de la época. El niño se llamaba Gerald Bostock, el periódico “St. Cleve Chronicle” y el poema épico, “Thick as a Brick” (Duro como un ladrillo). Por cierto que, cuenta el periódico en su portada, que el jurado descalifica al citado muchacho, recomienda que sea tratado psiquiátricamente sin retraso y le da el premio a una niña que había presentado un ensayo cristiano titulado “Él murió por salvar a los niños pequeños”. La letra del disco es digna de aparecer en el rincón del madrile, pero sí hay un hilo conductor y es la crítica a una sociedad que nos moldea y no nos deja seguir más camino de libertad que la que ella misma permite, o sea, nada.
Si la letra es tremenda, lo que realmente destaca del disco es su valor musical. La variedad de instrumentos es tremenda: xilófonos, órganos hammond, violines, por supuesto la flauta típica de Anderson y hasta sintetizadores. La casi inexistencia de intervalos, los giros constantes que se producen, las subidas y bajadas, todo colabora para que los 22 minutos de cada cara del disco se presenten con una variedad que obliga a prestar atención a cada segundo de música, por momentos más intensa, por momentos más tranquila, pero siempre con un esmero y una calidad sublimes. No hay necesidad de cortar e iniciar una canción nueva, no. Hay un hilo conductor instrumental y melódico (a pesar de las disonancias propias del progresivo) que, como decía con anterioridad, te mantienen concentrado, esperando de nuevo la flauta, o la voz tan particular de Anderson o las guitarras absolutamente roqueras de Martin Barre, o un giro en el bajo de Jeffrey Hammond - Hammond o un breve solo de batería de Barriemore Barlow o un sonido más allá del teclista John Evan (qué buena forma de hablar de todos sus músicos, eh?).
En definitiva un discazo.
Tengo la suerte de haberme comprado hace como 15 años una edición original, que se presentaba como un periódico local en la que la noticia de primera plana era la descalificación de la que hablaba antes y en el que había sus pasatiempos, sus anuncios y sus clasificaciones deportivas (incomprensiblemente no dicen nada del Betis de Chaparro… ingleses…).
Tengo bastantes cosillas de esta época en casa y este disco es, sin duda, mi preferido. Gracias Iván.
Espero que lo disfrutéis. Madrile, aunque no entiendas la letra, escúchalo dos o tres veces, merece la pena.

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LA CABRA MECÁNICA- Ni jaulas ni peceras

"Tú que eres tan guapa y tan lista ..." podríamos dedicar un rincón del blog a discutir acerca de la calidad de esta canción ... pero a mí me permitió en su día conocer a La Cabra Mecánica. Gracias a esta canción descubrí Felicidad, descubrí La Maceta, descubrí La Canción de las Plantas, la gran Sha La La, ... y me dí cuenta de que La Cabra Mecánica llevaba por entonces muchos años metido en esto de la música. (y yo con la cinta de Ketama encajá en la radio del bólido) Y es más, en 2003 me complacen sacando todas estas en un directo recopilatorio grabado en un teatro recogiendo lo mejor, o lo más conocido, de su amplio repertorio, "Ni jaulas ni peceras".

La Cabra Mecánica no tiene mucho que ver con algunos discos expuestos anteriormente en esta sección, su sonido no suena a garaje, tienen poco de Underground; ellos (él actualmente, "El Lichis") son de Lavapiés, un barrio madrileño donde conviven a día de hoy africanos, asiáticos, rumanos, ... Su música es la música de la calle, sus canciones van acompañadas de timbales, trompetas, y todo lo que haga falta. No obstante, la gran cualidad del Lichis en mi opinión, es la bestial calidad que tiene en la gran mayoría de sus letras. Ha mamado tanto de Sabina (supongo) que se le pueden atribuir sus mismos adjetivos: canalla, crápula, caravela, ...

Ni jaulas ni peceras sale en 2003 e incluye una canción con este mismo nombre que, según palabras de "El Lichis": "está basada en un relato del Comandante Marcos". La canción puede ser de lo mejorcito del disco, es un canto comunista a favor de la libertad, igualdad, ... se podéis imaginar. Pero lo que más me gusta de esta canción es el guiño que la hace a Andrés Calamaro. No diré más para obligaros a escucharla.

En la gramola, tras darle mil vueltas, he incluido "El último cantautor". En esta ocasión la canta con Ismael Serrano y refleja a todas luces la filosofía de La Cabra. Como muestra un botón:

"muy a mi pesar alguien se me adelantó
y asesinó al último nuevo cantautor;
muy a mi pesar no he sido yo,
y esto no es un grupo de flamenco-pop".

También incluye su respectivo guiño a Ska-P (lega-legalización ...)

Recomiendo prestar atención a Arroz con Ajo donde recurre a su tema favorito en muchas de sus letras, las drogas, fijarse qué arte:

"Pero prosperaré y olvidaré mis carnets en los lavabos
te invitaré a wisky nacional con billetes enrollados te llevaré
a visitar los más selectos descampados
en alas de las dieciseis válvulas de mi utilitario ... vamonó

También toca el mismo tema levemente en otro temazo que es "que te follen", se podéis imaginar de qué habla. el desengaño del Lichis que lo refleja del siguiente modo, a golpe de balada:

"por si te acuerdas de mí te he apuntado en una barra de hielo

mi dirección y mis mejores deseos .... que te follen"

Otros grandes temas son: "drip drop", léase:

"mira que ya nos conocemos bien,

casi tan bien como conozco el número exacto de cagadas

de moscas en la bombilla en mis noches de vigilia,

o el sabor de tus labios,

los de arriba y los de abajo

que mil veces cambian de nombre

y las paredes se disfrazan de horizonte"

"Sobre cañones y moscas":

"Hey, mister Tambourine,

que no se acabe el baile,

ojos de vidrio, sol de aluminio,

tuya la sangre de mi nariz.

No es ir de divo en busca de un mal pico,

a ver si es solo que me gusta porque sí,

que me gusta como a ti"

En definitiva, en mi opinión todos son temazos, incluyendo la lista de la compra, felicidad (que aparece en Siete Vírgenes) y no me llames iluso, con más tirón comercial pero no por ello menos malas.

Y dejadme poneos la última letra, es el inicio de "la canción de las plantas", una vida sedentaria envidiada por el Lichis:

"amanecí descerebrao, solito y empalmao,

me vestí rápido, no tenía prisa

por atender las llamadas del cartero comercial

tomarme un cafecito con los testigos de jehová

explorar mi aparato genital

sedado por el paro

dejé de estar preocupado por la crisis mundial ..."

Ah, y la canción "Agua", que la canta con Javier Ruibal, sí, sí, el de "Atún y Chocolate" (magnífica película).

Disculpadme si me he enrollao bastante con el tema de las letras, pero es una cosa que me fascina, por eso me gusta más escuchar música(letras) en español, pq considero que es una labor dificilísima y sólo al alcance de unos privilegiados.

Os pongo el link por si algún compañero del metal digna escuchárselo; en mi opinión merece la pena y puedo entender que quizás no guste (en quien más confío es en Juanlu, por guardar cierto grado de similitud con Javier Krahe; pero está con Ferreiro y compañía y no kiero k se descarrile), pero no negarme su calidad, su puesta en escena es buena (puede ser mejor, lo he visto dos veces en fiestas de pueblos madrileños) y por supuesto, no negarme su amplia capacidad creativa, algo muy deteriorado en los últimos años y que poco a poco se empieza a valorar.

Larga vida a la Cabra !!

http://rapidshare.com/files/96674563/ni_jaulas_ni_peceras-la_cabra_mecanica.rar.html

the strokes - IS THIS IT

¿Qué ha pasado con la banda más cool del planeta? ¿Por qué todo el mundo reniega? Hard to explain. Que los Strokes son cinco niños pijos de Nueva York con unos contactos que bien te pueden facilitar el éxito es algo que no se debe obviar, pero de ahí a juzgarlos más por eso que por su música debe ir un mundo. Vale, lo han tenido fácil, pero hacen canciones buenísimas.

Is this is es el primer larga duración del grupo. Data del 2001 y sucede al EP The modern age, una maqueta muy bien movida y que volvió locos a los cazatalentos de la gran manzana y del Reino Unido. Fue tal el revuelo que causó en la islas que la presión popular provocó que el álbum saliera allí antes que en E.E.U.U., donde la portada elegida no fue esta bella moza, sino unos arabescos más acordes al puritanismo yankee. ¿Miedo? Ellos dicen que no, que la de UK la eligieron con prisas y que los arabescos les gustan más. Lo que sí eliminaron en América fue el tema New York city cops. Ahí si se cagaron. Es que el lanzamiento coincidió prácticamente con el 11-s y no estaba bonito un tema cuyo estribillo decía que los polis de NY eran gilipollas.
Son 11 temas redondos, un repertorio que tenían ya muy rodado y de una solidez aplastante. 11 temazos de sucio garage rock que los convirtieron en los elegidos como mesías de la nueva rock revolution. La acogida fue unánime. Los críticos estaban hartos de rarezas y moderneces y los adolescentes se identificaron pronto con sus letras rabiosas y de su novedoso (para ellos) sonido. Eran unos años en los que el rock deambulaba entre limpbizkitzs y linkinparkes con djs y ellos se encargaron de traer aire fresco al panorama. No trajeron nada nuevo, sonaban a setenta. Otros muchos antes con un sonido bastante similar no habían asomado cabeza. Dicen que hay algo que tener...y éstos lo tienen.
Los temas más conocidos quizás sean last nite y someday. Los dos son impresionantes, de los que se te van los pies, pero mis dos debilidades son trying your luck, quizás mi favorita pero que no voy a poner en la gramola porque ya está bien de baladitas, y hard to explain, que sí voy a poner. Contadme que os parece. Todas son grandiosas, barely legal, take it or leave it...

El disco es indiscutible. Pero ahí empezaron sus problemas. Eran tan cool que no les dejaron tranquilos. Padres famosos (el cantante es el hijo del dueño de la agencia de modelos Elite y un guitarrista el de Albert Hamond), novias topmodels, caritas lindas...se convirtieron en un referene de moda. De hecho, mucho tienen ellos que ver en la proliferación de Converse y pitillos por el mundo. Nunca lo pretendieron. sólo vestían como el resto del underground del downtown, pero a ellos sí les miraban. Incluso intentaron descuidarse cuando vieron que miraban más la imagen que el sonido, pero la vorágine era imparable. Las prisa les hicieron sacar un segundo disco (room on fire) muy continuista, pero irregular. Destaca reptillia, mi tema favorito de toda su carrera. Pondré el vídeo. Es tremenda.
Finalmente, sacaron el first mpressions of earth en 2006, un disco donde sí evolucionaron a un sonido más limpio y virtuoso; un disco bueno, aunque no tanto como el primero y que no fue bien aceptado por nadie. Ya se sabe, el público se fue hacia algo más nuevo y la crítica le pasó factura por salir tanto en revistas de moda y en mtvs. Ya veremos donde acaban los Strokes.



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Espero que sea la versión europea.

PLACEBO- Without you, I'm nothing

Ambigüedad.

Brian Molko, el lider de la banda, es un extraño ser que encaja perfectamente en la definición de androginia, siendo dificil reconocer a primera vista de si se trata de un chico o una chica.

Sorprendieron al público inglés en su primer album “Placebo” en el 96, tanto por sus pegadizas melodías y frescura como por su cuidada y peculiar estética. Pero cuando realmente la liaron fue en 1998 con su segundo disco: “Without you I’m nothing” que les presento a todos ustedes.

Placebo está compuesto por el citado Brian Molko vocalista y guitarrista, el larguirucho Stefan Olsdal al bajo, y Steve Hewitt a la bateria. El disco está lleno de melodías pegajosas y emotivas. La temática, desesperación, desorientación y agonía, desamor, tristeza y oscuridad, pero todo ello impregnado con la imagen provocadora que proyectan, mucho maquillaje, teatro y parafernalia.

No voy a desgranar todas las canciones, sólo citaré los tres grandes temazos:
“You don’t care about us”, quizás el que suena más británico, más cercano a “The Cure”.

“Without you I’m nothing” crudeza, melancolía, pesimismo, tristeza, pena, te pega el pellizco en lo más hondo, y el “tic, toc..” es brutal, definitivo. La desesperación es absoluta.

“Every you, every me”, Brian con su voz afeminada, suave, y sugerente, comienza a atraparte, y poco a poco te va llevando a un estado de excitación en el que entran ganas de abrazar, de saltar y de gritar, que desencadenará la explosión definitiva.

Después de este disco llegarían “Black Market Music” algo más guitarrero, menos pesimista y saliendo un poco de la estética glam, y “Sleeping with Ghost” con buenos temas, pero algo predecible. El último disco de la banda “Meds” es otro discazo, es una vuelta a los origenes, la verdad es que he dudado entre el without you y el meds, y quizás me he decidido por el que supuso el boom del grupo, apadrinado nada más y nada menos que por David Bowie.

Mucha pose glam, y soberbia. Van de estrellas, por supuesto, y qué? No todos van a ir de humildes, no? Aun así creo que se trata de un gran grupo, algo más que imagen.

JAVIER KRAHE- Cábalas y cicatrices

“Yo, en realidad, entré en la música porque me parecía la mejor forma de ganarme la vida sin tener que trabajar”

Si alguien que dice esto (y además lo cumple) no es tenido por un genio, es que nuestra sociedad ha perdido, definitivamente, el norte.

Javier Krahe es un madrileño de 66 años que con 30 años decidió dedicarse a la música. Programó tardar unos diez años, pero le llevó solo la mitad. Con 35 años comenzó a cantar en público y, poco a poco, a ganarse la vida. La “fama” le llegó con su colaboración con Joaquín Sabina y Alberto Pérez en La Mandrágora, un bar donde se reunían varios músicos de los 80, cantautores en su mayoría, y que aun hoy es recordado por el disco que se grabó con este trío. En dicho disco, Krahe propone algunas de sus canciones más conocidas: “el burdo rumor” (en el que habla del reducido tamaño de su miembro), “Marietta” (versión de una canción de G. Brassens que se convirtió en un escandalazo porque decía repetidas veces la horripilante palabra Gilipollas) o “La hoguera”.
Desde aquella colaboración (no era un grupo, cada uno cantaba sus propias canciones) Javier Krahe comienza a grabar discos por su cuenta, contando rápidamente con la colaboración de Javier López de Guereña a la guitarra (cuenta que lo que él hizo fue un favor a la humanidad porque lo mal que toca Krahe la guitarra era para prohibirle coger una en público) y Fernando Anguita al contrabajo. Los otros dos músicos que casi siempre le han acompañado han sido Andreas Pritwitz (o como se escriba) a la flauta, clarinete e instrumentos de viento varios y Jimmy Ríos a la percusión.
No es un cantante con una voz portentosa, ni un virtuoso de la guitarra (López de Guereña sí lo es), ni un amante de la música por encima de todo (él es un amante de la vida, de su forma de entender la vida). Para mí es un creador casi mágico con una capacidad imaginativa desbordante y con unas condiciones literarias excepcionales. Su cultura le permite usar temas de todos los tipos, desde La Odisea, hasta la Metamorfosis de Kafka, pasando por las de alternativas que existen al acto amoroso, porque claro, “No todo va a ser follar”.
Sus letras no son solo imaginativas, sino de una perfección técnica digna del más currante de los poetas. Cuenta que casi siempre compone bajo los efectos de las drogas (hachís), y que lo podría hacer sin esos efectos, pero total, para qué si puede componer drogado… Como veis la ironía es uno de sus fuertes y lo muestra en cada una de sus piezas.

Pero vamos a centrarnos: el disco que quiero comentar es “Cábalas y cicatrices”, grabado en directo en Madrid allá por 2002. El CD se presenta con 22 cortes. No, no es que el músico tenga más canciones grabadas que Calamaro, es sencillamente que cada canción viene introducida por breves comentarios, algunos de los cuales son absolutamente sublimes.

Son 11 los temas con los que nos deleita en este, para mí, su mejor disco. No voy a hablar de cada uno de ellas (aunque me apetezca), pero recomiendo fervientemente su escucha entera, con sus comentarios introductorios y todo.

“Zozobras completas” sirve para abrir el disco y para mostrar la enorme capacidad que tiene para jugar con las palabras, hablando de sus obras como “zozobras” como hundimientos o fracasos. Ironía pura.

“Vecindario” es quizá la más llamativa. El primer párrafo es genial y si no, mirad:

“Mi esposa padece furor uterino
No damos abasto ni yo ni el vecino
Y a mí me a pena del pobre Avelino”

El resto de la canción mantiene el nivel imaginativo, narrando como el marido trata de escaquarse de la pasión de su mujer cada vez que puede. Realmente no soy capaz de expresar ni de lejos lo que Krahe transmite, solo un detalle, en el librito del CD, al lado de la canción aparece una foto de un obelisco, no se puede ser más sutil.

“Como Ulises” es la canción que decía antes que estaba basada en un libro de aventuras conocido por todos: La Odisea. Bueno pues se pega Krahe casi seis minutos resumiendo de forma magistral la magna obra. La verdad es que nos ha venido muy bien a los que no la hemos leído (ni pensado hacerlo) porque podemos hacer breves comentarios sobre ella gracias a esta versión tan particular.

“Ron de caña” Es otra genialidad. Todo el mundo ha escuchado hablar de las mujeres que fingen orgasmos… ¿no? Bueno, pues aquí Javier Krahe cuenta la historia de una novia que tiene y que finge que no tiene orgasmos. Giro de 180º C a las cuestiones más típicas y básicas. La canción mezcla las tretas que usa la mujer para ocultar sus orgasmos con las copas de ron de caña que se va metiendo por el cuerpo y que le va afectando cada vez más.

Otra genialidad: “Piero Della Francesca”. Evocando ritmos y sonidos del Quattrocento Krahe parte de la idea de que Della Francesca, además de un enorme pintor es sobre todo un geómetra enamorado del dodecaedro. Bueno pues desde esa idea es capaz de mostrar su amor por la geometría, jugando con las palabras de forma genial. Y para muestra un botón:

“Pero hasta la ternura
Lo que se dice hasta la ternura,
Sólo me conmueve el óvalo,
El óvalo de tu cará,
Morená, saladá,
Morená, saladá,
Y también el cono.
Y también el cono,
Morenó, saladó
Hasta el arrobo”

El disco termina con una canción que, aun a riesgo de pasar por pasteloso, me parece de las más especiales que el autor ha compuesto. El tema se titula “Abajo el Alzheimer” y en ella hace un recorrido por sus 100 amores que, claro que sí, fueron los mejores. La canción es un dechado de imágenes y giros geniales (creo que es el vigésimo séptima vez que uso esta palabra). Desde el primer amor eterno y otros casi tantos, hasta las ocho que guarda en secreto. Hay un verso que me encanta ya que refleja toda la carga de ironía que siempre presenta. Es algo así como “de amores sin par unos quince pares”.

En fin, el disco es una genialidad desde el principio hasta el final. Mi recomendación es que lo escuchéis entero y con atención. Los que esperáis un Javier Krahe al estilo La Mandrágora”, olvidadlo, su música es mejor, su producción, por supuesto, y las letras más elaboradas, más profundas y más irónicas.

Cuelgo un video sacado del DVD “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” en la que resume parte de sus ideas. Me encanta el adjetivo que coloca a los nacionalistas, pero lo he puesto porque es la única imagen que queda del festival en Salamanca en el que cantó junto a Joaquín Sabina el tema “Cuervo ingenuo”. La canción no era más que una crítica clara a la posiciones del gobierno de entonces del PSOE, cargando las tintas sobre todo en su política hipócrita con la OTAN. No sé si conocéis la historia, pero que sepáis que aquella actuación fue censurada de forma vergonzante y, por si fuera poco, comenzó una persecución que dio con parte de su capital en los brazos de hacienda… Increíble.

Ala pues que lo disfrutéis.

PD: El Sr. Chinarro habla bien de Krahe, así que, ventana abierta a los indies más indies… ¿no?

http://rapidshare.com/files/75840851/Javier_Krahe_-_C_balas_y_Cicatrices__2002_.rar