IVAN FERREIRO- Mentiroso Mentiroso

Bueno, no es un disco clásico para nada, de hecho tiene algunas semanas, pero no por ello va a pasar inadvertido para nosotros, no? y más teniendo en cuenta que quedan pocos días para el concierto (aún soy seria duda).
Pues eso, tercer disco de Iván Ferreiro, ex de Piratas, .. .patatín patatán. Es un disco distinto a los dos anteriores, más elaborado musicalmente hablando, no tanto con las letras. Le ha echado dos huevos el amigo Iván al colgar su disco en su web-blog días antes de su venta. Supongo que ya sabéis que la presentación del disco viene en formato libro con cómics representando cada una de las canciones que componen el disco. La verdad se ha estrujado el tarro y los cómics son guapísimos.
Toda la idea del disco gira en torno a la mentira, las dobles negaciones, las distintas personalidades. Quizás ha perdido esas canciones agresivas que tanto me gustan de Iván, que tan buenas hicieron "Las Siete y media"; es un disco más calculador, menos espontáneo.

Sabéis que el primer single, lo comentamos aquí, "Mentiroso mentiroso" fue interpretado en el vídeo por Oscar Jaenada (yo no sabía que se llamaba así hasta que me lo aclarasteis), y me parece la canción más representativa del disco, además de por su nombre, por el contenido. (es mi canción candidata a dar comienzo al concierto).

Destacaría "Toda la verdad" (en el vídeo que espero incluir más adelante) por recordarme bastante al Iván de Piratas, y es que "sólo hay mentira si con ello lo que quieres es decir toda la verdad". En el mismo saco, dándole aires al "Relax" de Piratas tenemos "Canción húmeda" (canción de tintes sensuales que en directo tiene que sonar tela de bien que, según se rumorea, coescrita con Leiva de Pereza) y "Canción sin con pasión", de nuevo con las contradicciones.

"De mi un pandero" y "Jet Lag" son canciones demasiado dulces, casi empalagosas, muy tiernas, rozando el ñoñismo. La primera versión cabaretesca como decía Gus y que va a más según avanza; y la segunda habla de una ruptura debido a la distancia y tal. Jet Lag tiene algo de "El palacio de las flores" de Calamaro que no acaba de convencer, melodías de películas Ozores. No es mala canción, pero tiene algo que no me acaba de convencer.

La mejor parte del disco, como decía Pedro, NYC (puede convertirse en un clásico de Ferreiro), la paranoica "Personalidad múltiple" (el infinito nos convierte en números irracionales), "la canción del no", "Meteoro y el Señor Conejo" que habla, efectivamente, o así lo entiendo yo, de su ruptura con Piratas, aunque no entiendo la frase "estaré muy cerca de ahí para librar a toda la ciudad"; y, por supuesto, "Rocco Sigfredi".

Varios apuntes respecto a Rocco Sigfredi.

Precisamente la canción habla de egos... Yo soy yo aunque no sea Rocco Sifredi. No hace falta ser Rocco para sentirte bien contigo mismo. Gracias a Dios la vida no es cuestión del tamaño de la pollas. ¡Gracias a Dios! (Diario de Navarra)

¿Y por qué dedicar una canción a Rocco Siffredi?-

Viene un poco relacionado con lo anterior, añadí la g para que fuese más bonito al cantar (risas). Tiene que ver con los mitos, con las grandes inseguridades de los hombres, el tamaño de su pene. Hay que ser feliz con el tamaño que se tiene.- Le inspiró, quizás, una mala noche...- No, fue después de una buena noche, pero trasladada al ámbito de los músicos. Calamaro, Sabina... la tienen más grande que la tuya. Si para ser feliz tengo que tener la polla más grande del mundo, estoy jodido, porque sólo uno sería feliz en todo el planeta.-¡Siempre son otros! (Faro de Vigo)

Queda todo dicho, "Rocco Sigfredi", con g para que fuese más bonito al cantarla es uno de mis temas favoritos aunque, a día de hoy, no sepa aún de qué habla exactamente. Me encanta el guiño a Quique González "Avería y redención para ponerlo todo en una canción".

Tengo mi teoría acerca de la última canción, y es que "Magia" ... es magia. No se puede cerrar un disco con mejor canción.

Disco de crack.

Micah P. Hinson and the Opera Circuit

Ya que no se arrancan ni Fredy ni Jose os voy a vender un poquito la moto. Sé que no voy a conseguir que ninguno os vengais el sábado a verlo pero trataré de que, al menos, os arrepintais.
Con esa cara de pringao que gasta el muchacho, Micah P. Hinson ha vivido a sus 26 años lo suficiente como para que Holliwood le dedicara una trilogía completa. Nacido en Memphis y criado en Texas, Micah era un skater adolescente que conoció y se enamoró de la viuda de una estrella del rock que se aprovechó de él y le metió en la mala vida. Perdió casa, familia, coche y acabó en la carcel a los 19. Cuando salió vivió como indigente un tiempo y trabajó de cualquier cosa hasta que en 2004 , gracias a la ayuda de sus colegas, consigue grabar su primer disco Micah P. Hinson and the gospel of progress, un discazo casi mejor que este y que fue unánimente bien acogido por la crítica. El éxito le llevó a volver al buen camino, abandonó las drogas y sacó el excelente ep The baby and the satellite pero un día con los amigos un fredychico de la vida le dio un "amistoso" golpecito en las lumbares que, unido a una interminable gira, lo dejó meses postrado en la cama. Se tenía que mover con andador, no salía de casa y los señores doctores empezaron a recetarle todo tipo de drogas pa mitigar su dolor. En este ambiente se gesta Micah P. Hinson and the Opera Circuit, el disquito que hemos escogido.
Ahora me doy cuenta de que no he dicho nada del tipo de música que hace. Fundamentalmente se dedica a la americana, el típico songwriter yankee que mezcla folk, country o soul y que tan de moda han estado últimamente desde que aparecieron Devendra Banhart, Iron & Wine, Bonnie Prince Billy, etc, etc etc, Quizás Micah sea el más triste de todos pero también quizás sea el mejor. El dolor es un referente en su obra pero en the opera circuit se muestra de una forma mucho más contenida y mejor canalizado que en su primer álbum, más recargado y grandilocuente que el segundo, aunque también más impactante creo. El hilo conductor de este dolor es la personalísima voz de Micah, una voz a lo Tom Waits, grave y profunda, que pone los pelos de punta. En directo dicen que es sobrecogedor. Los temas que más me gustan son jackeyed, seems almost impossible, its been so long, drift off to sleep, you are only the lonely y don´t leave me now. Son temas variaditos dentro de lo que cabe en este estilo y en muchos de ellos se ve el ambiente de jam session a lo bestia que tuvo que ser la casa del convaleciente señor Hinson durante esos meses. La gente iba a su casa y allí grababan como podían. Y 11 grandes temas que quedaron...Disco del año 2006 pa numerosas publicaciones anglosajonas.
A día de hoy Micah acaba de sacar un ep adelanto de su inminente tercer álbum y está de gira por España. El sábado toca en Sevilla por segunda vez (estuvo en un South Pop) y me parece que volveré a perdérmelo.
No he encontrado ningún videoclip del opera circuit, así q os pongo un directo. El sonido no es bueno y el tío parece un mongolito pero se ve que hay calidad ¿no?

it´s been so long

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MORENTE Y LAGARTIJA NICK- Omega

Flamenco con mayúsculas.
Teniendo en cuenta que el objetivo principal de la sección es compartir discos que supongan algo especial para quien escribe, ya tocaba que comentara Omega, quizás uno de los pocos discos que haya conseguido hacerme llorar, y no por recordarme ningún momento significativo de mi vida, sino por la música en sí misma.

Omega se grabó en el 96, y es un disco en el que colaboran Enrique Morente y Lagartija Nick, poniendo música a los versos ”Poeta en Nueva York” de Federico García Lorca y versionando algunos temas de Leonard Cohen. Además participan Estrella Morente, Tomatito y Vicente Amigo entre otros, cualquier cosa vamos.

Enrique Morente me puede. No entiendo mucho de flamenco, no tanto como quisiera, pero lo suficiente para saber que este tio es un genio, alguién que siempre ha tenido una visión renovadora del flamenco, sin perder en ningún momento la compostura y la elegancia, y que ha participado en proyectos arriesgados mezclando todo tipo de músicas (arabe, rock, gregoriana, etc.) acercando el flamenco a un público que tal vez no llegaba a valorarlo.

Por otra parte, Lagartija Nick, el grupo más alternativo y anticonvencional de la época, alejado completamente de lo comercial y atreviéndose con auténticas rarezas, logra mantener el nivel del disco, con su densidad sonora, ruido y oscuridad.

El disco fue un acontecimiento, ya que supuso la fusión (qué poco me gusta esta palabra!) entre el flamenco y el rock, que ya había marcado unos años antes Camaron con su Leyenda del Tiempo. Es dificil, místico, denso, hay que dejarse llevar y escucharlo muchas veces, pero cuando lo haces tuyo es adictivo, cada cierto tiempo, te lo pide el cuerpo.

Aunque es una joya en su conjunto, voy a atreverme a destacar “La aurora de Nueva York”, “Norma y paraiso de los negros”, “Manhattan” y “Pequeño Vals vienés” (que igual a alguno os suena...).

No escribo más, prefiero que cante Enrique.

John Zorn en Sevilla

Todavía no ha pasado una semana desde que Juanlu publicase el último artículo, pero es que esto no es sobre un disco (aunque se hará mención a alguno), sino sobre un concierto. El Viernes 4 de Abril aterriza en nuestra ciudad John Zorn, músico norteamericano de ascendencia judía. En teoría es saxofonista, pero como pasa con algunos de estos monstruos de la música, le quedaría mejor la etiqueta de "multiinstrumentista" (si cuesta escribirlo, imagínate serlo). Tanto es así que, en muchos de sus (aproximadamente) 100 discos, toca otros instrumentos o, directamente, no toca. Sí, efectivamente, parece imposible que alguien haya editado tanto material, máxime cuando todavía ronda los 55. A mí me parece que este tío, en algunos aspectos, ha tomado el relevo del Maestro Zappa (éste último murió con 53 y pasaba de la sesentena de títulos, dejando montañas de material original inédito para su posterior explotación), aunque esto bien podría ocuparnos otra buena serie de artículos, dada la entidad de los personajes a comparar.

John Zorn - "Dreamers"

Retomando el asunto, viene a tocar al Central a las 21:00 horas, con un precio por entrada de 14 Euros (muy razonable). Parece ser que le acompañan Marc Ribot a la guitarra, Joey Baron en la batería y Trevor Dunn al bajo (vaya tres bestias). Puede ser que él eche mano del saxo en algún tema, pero su participación en el espectáculo es para mí, y a día de hoy, un interesante misterio. Podrían venir acompañados del increíble percusionista Cyro Baptista, pero esto tamoco lo tengo confirmado. El caso es que, entre otro material, vienen presentando un fascinante y reciente último trabajo (que mañana iré a buscar a la FNAC), llamado The Dreamers. Tuve la oportunidad de escucharlo ayer en casa de mi amigo David (Zappa) tres veces consecutivas, y me ha parecido muy, muy bueno. Parece ser que lo interpretan íntegro en directo. Si a alguno os da el punto de bajaros algo, éste podría ser un muy buen título (por audible). Las entradas se pondrán a la venta por Servicaixa (teléfono, cajeros y web) el Lunes 24. Son numeradas. Si alguien lo prefiere, no tengo inconveniente en encargarme de pillárselas, ya que yo voy a estar atento para intentar comprar las mejor situadas posibles.

El de abajo es el ex-vocalista de Faith No More y creador de Mr. Bungle, Fantomas, Tomahawk,... ¡Mr. Mike Patton!.




Y si alguien quiere rizar el rizo, el día antes, Jueves 3 de Abril, toca también en Madrid, con el añadido de tener al mítico Mike Patton en el escenario, encargado de las voces más extremas que hayáis podido escuchar en vuestra vida. Si alguno quiere obtener una muestra de lo que estos pollos pueden parir juntos, bajaos, por ejemplo "Six Litanies for Heliogabalus". Se os van a caer los mocos. Yo me he pedido un par de días de vacaciones y estaré en la Joy Slava de Madrid viendo a Patton con Zorn y los demás. No me los perdería juntos y en directo por nada del mundo. Va a ser un sueño cumplido. La entrada de Madrid son 30 pavazos.

Para los amantes de las etiquetas, podríamos intentar encuadrar agunas de las obras de Zorn como Avantgarde, Free-Jazz, Noise, Klezmer y un larguísimo etcétera que no nos permitiría hacernos ni la más mínima idea de lo que este genio esconde en sus imposibles de encontrar, carísimos e infinitos discos.

JETHRO TULL- Thick as a Brick

Si querían un giro, aquí lo tienen. Si querían cambiar el paso, ahí está. Si querían un planteamiento distinto, léanlo y óiganlo. Merece la pena.
Bueno, pues tras esta introducción un poco sui géneris, aquí cuelgo el nuevo disco de esta septimania que nos contempla.
Creo que ya hacía falta coger al toro por los cuernos y recuperar alguno de los clásicos. Este texto lo debería colgar el amigo Iván que para eso sabe toneladas de cosas más que yo, pero como no le sale de los huevos, pues ahí me quito complejos y lo pongo yo, y así de camino, quien sabe, se siente más cómodo y le da por poner algo.
En fin, Jethro Tull, como todo el mundo sabe, es el nombre de un personaje inglés que, allá por 1730, inventó una sembradora que permitía sembrar las semillas más rápidamente y a más profundidad, con lo que se ahorraba mano de obra y semillas. Éste fue uno de los inventos que permitieron la evolución agrícola necesaria para que se produjera la revolución industrial iniciada apenas 20 años después.
Pero Jethro Tull es también el nombre de una de las mejores bandas de rock de los 70, y por lo tanto de la Historia. Por enmarcarlo en algún sitio diríamos que pertenece al Rock progresivo que lideraran los fastuosos King Crimson, aunque algunos autores hablan de Jethro Tull como un grupo de “rock medieval”(¿?).
La discografía de esta banda británica liderada por Ian Anderson está llena de grandes discos pero, personalmente, el más completo y de más calidad, creo que es el que aquí os pongo: “Thick as a Brick”.
El disco fue publicado en 1972 (el mismo año que el enorme “Live in Japan” de los Deep Purple) y supuso casi una revolución por cuanto se presenta como una única canción de 45 minutos (dividida en dos partes por razones obvias… había que darle la vuelta al disco para poner la cara B, ¿os acordáis?). Los críticos hablan de un disco conceptual, lo cual fue poco menos que una reacción de Anderson, en respuesta a lo que dijeron de su “Aqualung” (otro superdisco).
La letra, llena de guiños y con cierto toque surrealista propio de la época, está basado en un supuesto poema de un supuesto niño prodigio, editado en un supuesto periódico de la época. El niño se llamaba Gerald Bostock, el periódico “St. Cleve Chronicle” y el poema épico, “Thick as a Brick” (Duro como un ladrillo). Por cierto que, cuenta el periódico en su portada, que el jurado descalifica al citado muchacho, recomienda que sea tratado psiquiátricamente sin retraso y le da el premio a una niña que había presentado un ensayo cristiano titulado “Él murió por salvar a los niños pequeños”. La letra del disco es digna de aparecer en el rincón del madrile, pero sí hay un hilo conductor y es la crítica a una sociedad que nos moldea y no nos deja seguir más camino de libertad que la que ella misma permite, o sea, nada.
Si la letra es tremenda, lo que realmente destaca del disco es su valor musical. La variedad de instrumentos es tremenda: xilófonos, órganos hammond, violines, por supuesto la flauta típica de Anderson y hasta sintetizadores. La casi inexistencia de intervalos, los giros constantes que se producen, las subidas y bajadas, todo colabora para que los 22 minutos de cada cara del disco se presenten con una variedad que obliga a prestar atención a cada segundo de música, por momentos más intensa, por momentos más tranquila, pero siempre con un esmero y una calidad sublimes. No hay necesidad de cortar e iniciar una canción nueva, no. Hay un hilo conductor instrumental y melódico (a pesar de las disonancias propias del progresivo) que, como decía con anterioridad, te mantienen concentrado, esperando de nuevo la flauta, o la voz tan particular de Anderson o las guitarras absolutamente roqueras de Martin Barre, o un giro en el bajo de Jeffrey Hammond - Hammond o un breve solo de batería de Barriemore Barlow o un sonido más allá del teclista John Evan (qué buena forma de hablar de todos sus músicos, eh?).
En definitiva un discazo.
Tengo la suerte de haberme comprado hace como 15 años una edición original, que se presentaba como un periódico local en la que la noticia de primera plana era la descalificación de la que hablaba antes y en el que había sus pasatiempos, sus anuncios y sus clasificaciones deportivas (incomprensiblemente no dicen nada del Betis de Chaparro… ingleses…).
Tengo bastantes cosillas de esta época en casa y este disco es, sin duda, mi preferido. Gracias Iván.
Espero que lo disfrutéis. Madrile, aunque no entiendas la letra, escúchalo dos o tres veces, merece la pena.

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LA CABRA MECÁNICA- Ni jaulas ni peceras

"Tú que eres tan guapa y tan lista ..." podríamos dedicar un rincón del blog a discutir acerca de la calidad de esta canción ... pero a mí me permitió en su día conocer a La Cabra Mecánica. Gracias a esta canción descubrí Felicidad, descubrí La Maceta, descubrí La Canción de las Plantas, la gran Sha La La, ... y me dí cuenta de que La Cabra Mecánica llevaba por entonces muchos años metido en esto de la música. (y yo con la cinta de Ketama encajá en la radio del bólido) Y es más, en 2003 me complacen sacando todas estas en un directo recopilatorio grabado en un teatro recogiendo lo mejor, o lo más conocido, de su amplio repertorio, "Ni jaulas ni peceras".

La Cabra Mecánica no tiene mucho que ver con algunos discos expuestos anteriormente en esta sección, su sonido no suena a garaje, tienen poco de Underground; ellos (él actualmente, "El Lichis") son de Lavapiés, un barrio madrileño donde conviven a día de hoy africanos, asiáticos, rumanos, ... Su música es la música de la calle, sus canciones van acompañadas de timbales, trompetas, y todo lo que haga falta. No obstante, la gran cualidad del Lichis en mi opinión, es la bestial calidad que tiene en la gran mayoría de sus letras. Ha mamado tanto de Sabina (supongo) que se le pueden atribuir sus mismos adjetivos: canalla, crápula, caravela, ...

Ni jaulas ni peceras sale en 2003 e incluye una canción con este mismo nombre que, según palabras de "El Lichis": "está basada en un relato del Comandante Marcos". La canción puede ser de lo mejorcito del disco, es un canto comunista a favor de la libertad, igualdad, ... se podéis imaginar. Pero lo que más me gusta de esta canción es el guiño que la hace a Andrés Calamaro. No diré más para obligaros a escucharla.

En la gramola, tras darle mil vueltas, he incluido "El último cantautor". En esta ocasión la canta con Ismael Serrano y refleja a todas luces la filosofía de La Cabra. Como muestra un botón:

"muy a mi pesar alguien se me adelantó
y asesinó al último nuevo cantautor;
muy a mi pesar no he sido yo,
y esto no es un grupo de flamenco-pop".

También incluye su respectivo guiño a Ska-P (lega-legalización ...)

Recomiendo prestar atención a Arroz con Ajo donde recurre a su tema favorito en muchas de sus letras, las drogas, fijarse qué arte:

"Pero prosperaré y olvidaré mis carnets en los lavabos
te invitaré a wisky nacional con billetes enrollados te llevaré
a visitar los más selectos descampados
en alas de las dieciseis válvulas de mi utilitario ... vamonó

También toca el mismo tema levemente en otro temazo que es "que te follen", se podéis imaginar de qué habla. el desengaño del Lichis que lo refleja del siguiente modo, a golpe de balada:

"por si te acuerdas de mí te he apuntado en una barra de hielo

mi dirección y mis mejores deseos .... que te follen"

Otros grandes temas son: "drip drop", léase:

"mira que ya nos conocemos bien,

casi tan bien como conozco el número exacto de cagadas

de moscas en la bombilla en mis noches de vigilia,

o el sabor de tus labios,

los de arriba y los de abajo

que mil veces cambian de nombre

y las paredes se disfrazan de horizonte"

"Sobre cañones y moscas":

"Hey, mister Tambourine,

que no se acabe el baile,

ojos de vidrio, sol de aluminio,

tuya la sangre de mi nariz.

No es ir de divo en busca de un mal pico,

a ver si es solo que me gusta porque sí,

que me gusta como a ti"

En definitiva, en mi opinión todos son temazos, incluyendo la lista de la compra, felicidad (que aparece en Siete Vírgenes) y no me llames iluso, con más tirón comercial pero no por ello menos malas.

Y dejadme poneos la última letra, es el inicio de "la canción de las plantas", una vida sedentaria envidiada por el Lichis:

"amanecí descerebrao, solito y empalmao,

me vestí rápido, no tenía prisa

por atender las llamadas del cartero comercial

tomarme un cafecito con los testigos de jehová

explorar mi aparato genital

sedado por el paro

dejé de estar preocupado por la crisis mundial ..."

Ah, y la canción "Agua", que la canta con Javier Ruibal, sí, sí, el de "Atún y Chocolate" (magnífica película).

Disculpadme si me he enrollao bastante con el tema de las letras, pero es una cosa que me fascina, por eso me gusta más escuchar música(letras) en español, pq considero que es una labor dificilísima y sólo al alcance de unos privilegiados.

Os pongo el link por si algún compañero del metal digna escuchárselo; en mi opinión merece la pena y puedo entender que quizás no guste (en quien más confío es en Juanlu, por guardar cierto grado de similitud con Javier Krahe; pero está con Ferreiro y compañía y no kiero k se descarrile), pero no negarme su calidad, su puesta en escena es buena (puede ser mejor, lo he visto dos veces en fiestas de pueblos madrileños) y por supuesto, no negarme su amplia capacidad creativa, algo muy deteriorado en los últimos años y que poco a poco se empieza a valorar.

Larga vida a la Cabra !!

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the strokes - IS THIS IT

¿Qué ha pasado con la banda más cool del planeta? ¿Por qué todo el mundo reniega? Hard to explain. Que los Strokes son cinco niños pijos de Nueva York con unos contactos que bien te pueden facilitar el éxito es algo que no se debe obviar, pero de ahí a juzgarlos más por eso que por su música debe ir un mundo. Vale, lo han tenido fácil, pero hacen canciones buenísimas.

Is this is es el primer larga duración del grupo. Data del 2001 y sucede al EP The modern age, una maqueta muy bien movida y que volvió locos a los cazatalentos de la gran manzana y del Reino Unido. Fue tal el revuelo que causó en la islas que la presión popular provocó que el álbum saliera allí antes que en E.E.U.U., donde la portada elegida no fue esta bella moza, sino unos arabescos más acordes al puritanismo yankee. ¿Miedo? Ellos dicen que no, que la de UK la eligieron con prisas y que los arabescos les gustan más. Lo que sí eliminaron en América fue el tema New York city cops. Ahí si se cagaron. Es que el lanzamiento coincidió prácticamente con el 11-s y no estaba bonito un tema cuyo estribillo decía que los polis de NY eran gilipollas.
Son 11 temas redondos, un repertorio que tenían ya muy rodado y de una solidez aplastante. 11 temazos de sucio garage rock que los convirtieron en los elegidos como mesías de la nueva rock revolution. La acogida fue unánime. Los críticos estaban hartos de rarezas y moderneces y los adolescentes se identificaron pronto con sus letras rabiosas y de su novedoso (para ellos) sonido. Eran unos años en los que el rock deambulaba entre limpbizkitzs y linkinparkes con djs y ellos se encargaron de traer aire fresco al panorama. No trajeron nada nuevo, sonaban a setenta. Otros muchos antes con un sonido bastante similar no habían asomado cabeza. Dicen que hay algo que tener...y éstos lo tienen.
Los temas más conocidos quizás sean last nite y someday. Los dos son impresionantes, de los que se te van los pies, pero mis dos debilidades son trying your luck, quizás mi favorita pero que no voy a poner en la gramola porque ya está bien de baladitas, y hard to explain, que sí voy a poner. Contadme que os parece. Todas son grandiosas, barely legal, take it or leave it...

El disco es indiscutible. Pero ahí empezaron sus problemas. Eran tan cool que no les dejaron tranquilos. Padres famosos (el cantante es el hijo del dueño de la agencia de modelos Elite y un guitarrista el de Albert Hamond), novias topmodels, caritas lindas...se convirtieron en un referene de moda. De hecho, mucho tienen ellos que ver en la proliferación de Converse y pitillos por el mundo. Nunca lo pretendieron. sólo vestían como el resto del underground del downtown, pero a ellos sí les miraban. Incluso intentaron descuidarse cuando vieron que miraban más la imagen que el sonido, pero la vorágine era imparable. Las prisa les hicieron sacar un segundo disco (room on fire) muy continuista, pero irregular. Destaca reptillia, mi tema favorito de toda su carrera. Pondré el vídeo. Es tremenda.
Finalmente, sacaron el first mpressions of earth en 2006, un disco donde sí evolucionaron a un sonido más limpio y virtuoso; un disco bueno, aunque no tanto como el primero y que no fue bien aceptado por nadie. Ya se sabe, el público se fue hacia algo más nuevo y la crítica le pasó factura por salir tanto en revistas de moda y en mtvs. Ya veremos donde acaban los Strokes.



http://www.megaupload.com/es/?d=1VEOM5AH pass: thehousesoftheholy.blogspot.com

Espero que sea la versión europea.