John Zorn en Sevilla

Todavía no ha pasado una semana desde que Juanlu publicase el último artículo, pero es que esto no es sobre un disco (aunque se hará mención a alguno), sino sobre un concierto. El Viernes 4 de Abril aterriza en nuestra ciudad John Zorn, músico norteamericano de ascendencia judía. En teoría es saxofonista, pero como pasa con algunos de estos monstruos de la música, le quedaría mejor la etiqueta de "multiinstrumentista" (si cuesta escribirlo, imagínate serlo). Tanto es así que, en muchos de sus (aproximadamente) 100 discos, toca otros instrumentos o, directamente, no toca. Sí, efectivamente, parece imposible que alguien haya editado tanto material, máxime cuando todavía ronda los 55. A mí me parece que este tío, en algunos aspectos, ha tomado el relevo del Maestro Zappa (éste último murió con 53 y pasaba de la sesentena de títulos, dejando montañas de material original inédito para su posterior explotación), aunque esto bien podría ocuparnos otra buena serie de artículos, dada la entidad de los personajes a comparar.

John Zorn - "Dreamers"

Retomando el asunto, viene a tocar al Central a las 21:00 horas, con un precio por entrada de 14 Euros (muy razonable). Parece ser que le acompañan Marc Ribot a la guitarra, Joey Baron en la batería y Trevor Dunn al bajo (vaya tres bestias). Puede ser que él eche mano del saxo en algún tema, pero su participación en el espectáculo es para mí, y a día de hoy, un interesante misterio. Podrían venir acompañados del increíble percusionista Cyro Baptista, pero esto tamoco lo tengo confirmado. El caso es que, entre otro material, vienen presentando un fascinante y reciente último trabajo (que mañana iré a buscar a la FNAC), llamado The Dreamers. Tuve la oportunidad de escucharlo ayer en casa de mi amigo David (Zappa) tres veces consecutivas, y me ha parecido muy, muy bueno. Parece ser que lo interpretan íntegro en directo. Si a alguno os da el punto de bajaros algo, éste podría ser un muy buen título (por audible). Las entradas se pondrán a la venta por Servicaixa (teléfono, cajeros y web) el Lunes 24. Son numeradas. Si alguien lo prefiere, no tengo inconveniente en encargarme de pillárselas, ya que yo voy a estar atento para intentar comprar las mejor situadas posibles.

El de abajo es el ex-vocalista de Faith No More y creador de Mr. Bungle, Fantomas, Tomahawk,... ¡Mr. Mike Patton!.




Y si alguien quiere rizar el rizo, el día antes, Jueves 3 de Abril, toca también en Madrid, con el añadido de tener al mítico Mike Patton en el escenario, encargado de las voces más extremas que hayáis podido escuchar en vuestra vida. Si alguno quiere obtener una muestra de lo que estos pollos pueden parir juntos, bajaos, por ejemplo "Six Litanies for Heliogabalus". Se os van a caer los mocos. Yo me he pedido un par de días de vacaciones y estaré en la Joy Slava de Madrid viendo a Patton con Zorn y los demás. No me los perdería juntos y en directo por nada del mundo. Va a ser un sueño cumplido. La entrada de Madrid son 30 pavazos.

Para los amantes de las etiquetas, podríamos intentar encuadrar agunas de las obras de Zorn como Avantgarde, Free-Jazz, Noise, Klezmer y un larguísimo etcétera que no nos permitiría hacernos ni la más mínima idea de lo que este genio esconde en sus imposibles de encontrar, carísimos e infinitos discos.

JETHRO TULL- Thick as a Brick

Si querían un giro, aquí lo tienen. Si querían cambiar el paso, ahí está. Si querían un planteamiento distinto, léanlo y óiganlo. Merece la pena.
Bueno, pues tras esta introducción un poco sui géneris, aquí cuelgo el nuevo disco de esta septimania que nos contempla.
Creo que ya hacía falta coger al toro por los cuernos y recuperar alguno de los clásicos. Este texto lo debería colgar el amigo Iván que para eso sabe toneladas de cosas más que yo, pero como no le sale de los huevos, pues ahí me quito complejos y lo pongo yo, y así de camino, quien sabe, se siente más cómodo y le da por poner algo.
En fin, Jethro Tull, como todo el mundo sabe, es el nombre de un personaje inglés que, allá por 1730, inventó una sembradora que permitía sembrar las semillas más rápidamente y a más profundidad, con lo que se ahorraba mano de obra y semillas. Éste fue uno de los inventos que permitieron la evolución agrícola necesaria para que se produjera la revolución industrial iniciada apenas 20 años después.
Pero Jethro Tull es también el nombre de una de las mejores bandas de rock de los 70, y por lo tanto de la Historia. Por enmarcarlo en algún sitio diríamos que pertenece al Rock progresivo que lideraran los fastuosos King Crimson, aunque algunos autores hablan de Jethro Tull como un grupo de “rock medieval”(¿?).
La discografía de esta banda británica liderada por Ian Anderson está llena de grandes discos pero, personalmente, el más completo y de más calidad, creo que es el que aquí os pongo: “Thick as a Brick”.
El disco fue publicado en 1972 (el mismo año que el enorme “Live in Japan” de los Deep Purple) y supuso casi una revolución por cuanto se presenta como una única canción de 45 minutos (dividida en dos partes por razones obvias… había que darle la vuelta al disco para poner la cara B, ¿os acordáis?). Los críticos hablan de un disco conceptual, lo cual fue poco menos que una reacción de Anderson, en respuesta a lo que dijeron de su “Aqualung” (otro superdisco).
La letra, llena de guiños y con cierto toque surrealista propio de la época, está basado en un supuesto poema de un supuesto niño prodigio, editado en un supuesto periódico de la época. El niño se llamaba Gerald Bostock, el periódico “St. Cleve Chronicle” y el poema épico, “Thick as a Brick” (Duro como un ladrillo). Por cierto que, cuenta el periódico en su portada, que el jurado descalifica al citado muchacho, recomienda que sea tratado psiquiátricamente sin retraso y le da el premio a una niña que había presentado un ensayo cristiano titulado “Él murió por salvar a los niños pequeños”. La letra del disco es digna de aparecer en el rincón del madrile, pero sí hay un hilo conductor y es la crítica a una sociedad que nos moldea y no nos deja seguir más camino de libertad que la que ella misma permite, o sea, nada.
Si la letra es tremenda, lo que realmente destaca del disco es su valor musical. La variedad de instrumentos es tremenda: xilófonos, órganos hammond, violines, por supuesto la flauta típica de Anderson y hasta sintetizadores. La casi inexistencia de intervalos, los giros constantes que se producen, las subidas y bajadas, todo colabora para que los 22 minutos de cada cara del disco se presenten con una variedad que obliga a prestar atención a cada segundo de música, por momentos más intensa, por momentos más tranquila, pero siempre con un esmero y una calidad sublimes. No hay necesidad de cortar e iniciar una canción nueva, no. Hay un hilo conductor instrumental y melódico (a pesar de las disonancias propias del progresivo) que, como decía con anterioridad, te mantienen concentrado, esperando de nuevo la flauta, o la voz tan particular de Anderson o las guitarras absolutamente roqueras de Martin Barre, o un giro en el bajo de Jeffrey Hammond - Hammond o un breve solo de batería de Barriemore Barlow o un sonido más allá del teclista John Evan (qué buena forma de hablar de todos sus músicos, eh?).
En definitiva un discazo.
Tengo la suerte de haberme comprado hace como 15 años una edición original, que se presentaba como un periódico local en la que la noticia de primera plana era la descalificación de la que hablaba antes y en el que había sus pasatiempos, sus anuncios y sus clasificaciones deportivas (incomprensiblemente no dicen nada del Betis de Chaparro… ingleses…).
Tengo bastantes cosillas de esta época en casa y este disco es, sin duda, mi preferido. Gracias Iván.
Espero que lo disfrutéis. Madrile, aunque no entiendas la letra, escúchalo dos o tres veces, merece la pena.

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LA CABRA MECÁNICA- Ni jaulas ni peceras

"Tú que eres tan guapa y tan lista ..." podríamos dedicar un rincón del blog a discutir acerca de la calidad de esta canción ... pero a mí me permitió en su día conocer a La Cabra Mecánica. Gracias a esta canción descubrí Felicidad, descubrí La Maceta, descubrí La Canción de las Plantas, la gran Sha La La, ... y me dí cuenta de que La Cabra Mecánica llevaba por entonces muchos años metido en esto de la música. (y yo con la cinta de Ketama encajá en la radio del bólido) Y es más, en 2003 me complacen sacando todas estas en un directo recopilatorio grabado en un teatro recogiendo lo mejor, o lo más conocido, de su amplio repertorio, "Ni jaulas ni peceras".

La Cabra Mecánica no tiene mucho que ver con algunos discos expuestos anteriormente en esta sección, su sonido no suena a garaje, tienen poco de Underground; ellos (él actualmente, "El Lichis") son de Lavapiés, un barrio madrileño donde conviven a día de hoy africanos, asiáticos, rumanos, ... Su música es la música de la calle, sus canciones van acompañadas de timbales, trompetas, y todo lo que haga falta. No obstante, la gran cualidad del Lichis en mi opinión, es la bestial calidad que tiene en la gran mayoría de sus letras. Ha mamado tanto de Sabina (supongo) que se le pueden atribuir sus mismos adjetivos: canalla, crápula, caravela, ...

Ni jaulas ni peceras sale en 2003 e incluye una canción con este mismo nombre que, según palabras de "El Lichis": "está basada en un relato del Comandante Marcos". La canción puede ser de lo mejorcito del disco, es un canto comunista a favor de la libertad, igualdad, ... se podéis imaginar. Pero lo que más me gusta de esta canción es el guiño que la hace a Andrés Calamaro. No diré más para obligaros a escucharla.

En la gramola, tras darle mil vueltas, he incluido "El último cantautor". En esta ocasión la canta con Ismael Serrano y refleja a todas luces la filosofía de La Cabra. Como muestra un botón:

"muy a mi pesar alguien se me adelantó
y asesinó al último nuevo cantautor;
muy a mi pesar no he sido yo,
y esto no es un grupo de flamenco-pop".

También incluye su respectivo guiño a Ska-P (lega-legalización ...)

Recomiendo prestar atención a Arroz con Ajo donde recurre a su tema favorito en muchas de sus letras, las drogas, fijarse qué arte:

"Pero prosperaré y olvidaré mis carnets en los lavabos
te invitaré a wisky nacional con billetes enrollados te llevaré
a visitar los más selectos descampados
en alas de las dieciseis válvulas de mi utilitario ... vamonó

También toca el mismo tema levemente en otro temazo que es "que te follen", se podéis imaginar de qué habla. el desengaño del Lichis que lo refleja del siguiente modo, a golpe de balada:

"por si te acuerdas de mí te he apuntado en una barra de hielo

mi dirección y mis mejores deseos .... que te follen"

Otros grandes temas son: "drip drop", léase:

"mira que ya nos conocemos bien,

casi tan bien como conozco el número exacto de cagadas

de moscas en la bombilla en mis noches de vigilia,

o el sabor de tus labios,

los de arriba y los de abajo

que mil veces cambian de nombre

y las paredes se disfrazan de horizonte"

"Sobre cañones y moscas":

"Hey, mister Tambourine,

que no se acabe el baile,

ojos de vidrio, sol de aluminio,

tuya la sangre de mi nariz.

No es ir de divo en busca de un mal pico,

a ver si es solo que me gusta porque sí,

que me gusta como a ti"

En definitiva, en mi opinión todos son temazos, incluyendo la lista de la compra, felicidad (que aparece en Siete Vírgenes) y no me llames iluso, con más tirón comercial pero no por ello menos malas.

Y dejadme poneos la última letra, es el inicio de "la canción de las plantas", una vida sedentaria envidiada por el Lichis:

"amanecí descerebrao, solito y empalmao,

me vestí rápido, no tenía prisa

por atender las llamadas del cartero comercial

tomarme un cafecito con los testigos de jehová

explorar mi aparato genital

sedado por el paro

dejé de estar preocupado por la crisis mundial ..."

Ah, y la canción "Agua", que la canta con Javier Ruibal, sí, sí, el de "Atún y Chocolate" (magnífica película).

Disculpadme si me he enrollao bastante con el tema de las letras, pero es una cosa que me fascina, por eso me gusta más escuchar música(letras) en español, pq considero que es una labor dificilísima y sólo al alcance de unos privilegiados.

Os pongo el link por si algún compañero del metal digna escuchárselo; en mi opinión merece la pena y puedo entender que quizás no guste (en quien más confío es en Juanlu, por guardar cierto grado de similitud con Javier Krahe; pero está con Ferreiro y compañía y no kiero k se descarrile), pero no negarme su calidad, su puesta en escena es buena (puede ser mejor, lo he visto dos veces en fiestas de pueblos madrileños) y por supuesto, no negarme su amplia capacidad creativa, algo muy deteriorado en los últimos años y que poco a poco se empieza a valorar.

Larga vida a la Cabra !!

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the strokes - IS THIS IT

¿Qué ha pasado con la banda más cool del planeta? ¿Por qué todo el mundo reniega? Hard to explain. Que los Strokes son cinco niños pijos de Nueva York con unos contactos que bien te pueden facilitar el éxito es algo que no se debe obviar, pero de ahí a juzgarlos más por eso que por su música debe ir un mundo. Vale, lo han tenido fácil, pero hacen canciones buenísimas.

Is this is es el primer larga duración del grupo. Data del 2001 y sucede al EP The modern age, una maqueta muy bien movida y que volvió locos a los cazatalentos de la gran manzana y del Reino Unido. Fue tal el revuelo que causó en la islas que la presión popular provocó que el álbum saliera allí antes que en E.E.U.U., donde la portada elegida no fue esta bella moza, sino unos arabescos más acordes al puritanismo yankee. ¿Miedo? Ellos dicen que no, que la de UK la eligieron con prisas y que los arabescos les gustan más. Lo que sí eliminaron en América fue el tema New York city cops. Ahí si se cagaron. Es que el lanzamiento coincidió prácticamente con el 11-s y no estaba bonito un tema cuyo estribillo decía que los polis de NY eran gilipollas.
Son 11 temas redondos, un repertorio que tenían ya muy rodado y de una solidez aplastante. 11 temazos de sucio garage rock que los convirtieron en los elegidos como mesías de la nueva rock revolution. La acogida fue unánime. Los críticos estaban hartos de rarezas y moderneces y los adolescentes se identificaron pronto con sus letras rabiosas y de su novedoso (para ellos) sonido. Eran unos años en los que el rock deambulaba entre limpbizkitzs y linkinparkes con djs y ellos se encargaron de traer aire fresco al panorama. No trajeron nada nuevo, sonaban a setenta. Otros muchos antes con un sonido bastante similar no habían asomado cabeza. Dicen que hay algo que tener...y éstos lo tienen.
Los temas más conocidos quizás sean last nite y someday. Los dos son impresionantes, de los que se te van los pies, pero mis dos debilidades son trying your luck, quizás mi favorita pero que no voy a poner en la gramola porque ya está bien de baladitas, y hard to explain, que sí voy a poner. Contadme que os parece. Todas son grandiosas, barely legal, take it or leave it...

El disco es indiscutible. Pero ahí empezaron sus problemas. Eran tan cool que no les dejaron tranquilos. Padres famosos (el cantante es el hijo del dueño de la agencia de modelos Elite y un guitarrista el de Albert Hamond), novias topmodels, caritas lindas...se convirtieron en un referene de moda. De hecho, mucho tienen ellos que ver en la proliferación de Converse y pitillos por el mundo. Nunca lo pretendieron. sólo vestían como el resto del underground del downtown, pero a ellos sí les miraban. Incluso intentaron descuidarse cuando vieron que miraban más la imagen que el sonido, pero la vorágine era imparable. Las prisa les hicieron sacar un segundo disco (room on fire) muy continuista, pero irregular. Destaca reptillia, mi tema favorito de toda su carrera. Pondré el vídeo. Es tremenda.
Finalmente, sacaron el first mpressions of earth en 2006, un disco donde sí evolucionaron a un sonido más limpio y virtuoso; un disco bueno, aunque no tanto como el primero y que no fue bien aceptado por nadie. Ya se sabe, el público se fue hacia algo más nuevo y la crítica le pasó factura por salir tanto en revistas de moda y en mtvs. Ya veremos donde acaban los Strokes.



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Espero que sea la versión europea.

PLACEBO- Without you, I'm nothing

Ambigüedad.

Brian Molko, el lider de la banda, es un extraño ser que encaja perfectamente en la definición de androginia, siendo dificil reconocer a primera vista de si se trata de un chico o una chica.

Sorprendieron al público inglés en su primer album “Placebo” en el 96, tanto por sus pegadizas melodías y frescura como por su cuidada y peculiar estética. Pero cuando realmente la liaron fue en 1998 con su segundo disco: “Without you I’m nothing” que les presento a todos ustedes.

Placebo está compuesto por el citado Brian Molko vocalista y guitarrista, el larguirucho Stefan Olsdal al bajo, y Steve Hewitt a la bateria. El disco está lleno de melodías pegajosas y emotivas. La temática, desesperación, desorientación y agonía, desamor, tristeza y oscuridad, pero todo ello impregnado con la imagen provocadora que proyectan, mucho maquillaje, teatro y parafernalia.

No voy a desgranar todas las canciones, sólo citaré los tres grandes temazos:
“You don’t care about us”, quizás el que suena más británico, más cercano a “The Cure”.

“Without you I’m nothing” crudeza, melancolía, pesimismo, tristeza, pena, te pega el pellizco en lo más hondo, y el “tic, toc..” es brutal, definitivo. La desesperación es absoluta.

“Every you, every me”, Brian con su voz afeminada, suave, y sugerente, comienza a atraparte, y poco a poco te va llevando a un estado de excitación en el que entran ganas de abrazar, de saltar y de gritar, que desencadenará la explosión definitiva.

Después de este disco llegarían “Black Market Music” algo más guitarrero, menos pesimista y saliendo un poco de la estética glam, y “Sleeping with Ghost” con buenos temas, pero algo predecible. El último disco de la banda “Meds” es otro discazo, es una vuelta a los origenes, la verdad es que he dudado entre el without you y el meds, y quizás me he decidido por el que supuso el boom del grupo, apadrinado nada más y nada menos que por David Bowie.

Mucha pose glam, y soberbia. Van de estrellas, por supuesto, y qué? No todos van a ir de humildes, no? Aun así creo que se trata de un gran grupo, algo más que imagen.

JAVIER KRAHE- Cábalas y cicatrices

“Yo, en realidad, entré en la música porque me parecía la mejor forma de ganarme la vida sin tener que trabajar”

Si alguien que dice esto (y además lo cumple) no es tenido por un genio, es que nuestra sociedad ha perdido, definitivamente, el norte.

Javier Krahe es un madrileño de 66 años que con 30 años decidió dedicarse a la música. Programó tardar unos diez años, pero le llevó solo la mitad. Con 35 años comenzó a cantar en público y, poco a poco, a ganarse la vida. La “fama” le llegó con su colaboración con Joaquín Sabina y Alberto Pérez en La Mandrágora, un bar donde se reunían varios músicos de los 80, cantautores en su mayoría, y que aun hoy es recordado por el disco que se grabó con este trío. En dicho disco, Krahe propone algunas de sus canciones más conocidas: “el burdo rumor” (en el que habla del reducido tamaño de su miembro), “Marietta” (versión de una canción de G. Brassens que se convirtió en un escandalazo porque decía repetidas veces la horripilante palabra Gilipollas) o “La hoguera”.
Desde aquella colaboración (no era un grupo, cada uno cantaba sus propias canciones) Javier Krahe comienza a grabar discos por su cuenta, contando rápidamente con la colaboración de Javier López de Guereña a la guitarra (cuenta que lo que él hizo fue un favor a la humanidad porque lo mal que toca Krahe la guitarra era para prohibirle coger una en público) y Fernando Anguita al contrabajo. Los otros dos músicos que casi siempre le han acompañado han sido Andreas Pritwitz (o como se escriba) a la flauta, clarinete e instrumentos de viento varios y Jimmy Ríos a la percusión.
No es un cantante con una voz portentosa, ni un virtuoso de la guitarra (López de Guereña sí lo es), ni un amante de la música por encima de todo (él es un amante de la vida, de su forma de entender la vida). Para mí es un creador casi mágico con una capacidad imaginativa desbordante y con unas condiciones literarias excepcionales. Su cultura le permite usar temas de todos los tipos, desde La Odisea, hasta la Metamorfosis de Kafka, pasando por las de alternativas que existen al acto amoroso, porque claro, “No todo va a ser follar”.
Sus letras no son solo imaginativas, sino de una perfección técnica digna del más currante de los poetas. Cuenta que casi siempre compone bajo los efectos de las drogas (hachís), y que lo podría hacer sin esos efectos, pero total, para qué si puede componer drogado… Como veis la ironía es uno de sus fuertes y lo muestra en cada una de sus piezas.

Pero vamos a centrarnos: el disco que quiero comentar es “Cábalas y cicatrices”, grabado en directo en Madrid allá por 2002. El CD se presenta con 22 cortes. No, no es que el músico tenga más canciones grabadas que Calamaro, es sencillamente que cada canción viene introducida por breves comentarios, algunos de los cuales son absolutamente sublimes.

Son 11 los temas con los que nos deleita en este, para mí, su mejor disco. No voy a hablar de cada uno de ellas (aunque me apetezca), pero recomiendo fervientemente su escucha entera, con sus comentarios introductorios y todo.

“Zozobras completas” sirve para abrir el disco y para mostrar la enorme capacidad que tiene para jugar con las palabras, hablando de sus obras como “zozobras” como hundimientos o fracasos. Ironía pura.

“Vecindario” es quizá la más llamativa. El primer párrafo es genial y si no, mirad:

“Mi esposa padece furor uterino
No damos abasto ni yo ni el vecino
Y a mí me a pena del pobre Avelino”

El resto de la canción mantiene el nivel imaginativo, narrando como el marido trata de escaquarse de la pasión de su mujer cada vez que puede. Realmente no soy capaz de expresar ni de lejos lo que Krahe transmite, solo un detalle, en el librito del CD, al lado de la canción aparece una foto de un obelisco, no se puede ser más sutil.

“Como Ulises” es la canción que decía antes que estaba basada en un libro de aventuras conocido por todos: La Odisea. Bueno pues se pega Krahe casi seis minutos resumiendo de forma magistral la magna obra. La verdad es que nos ha venido muy bien a los que no la hemos leído (ni pensado hacerlo) porque podemos hacer breves comentarios sobre ella gracias a esta versión tan particular.

“Ron de caña” Es otra genialidad. Todo el mundo ha escuchado hablar de las mujeres que fingen orgasmos… ¿no? Bueno, pues aquí Javier Krahe cuenta la historia de una novia que tiene y que finge que no tiene orgasmos. Giro de 180º C a las cuestiones más típicas y básicas. La canción mezcla las tretas que usa la mujer para ocultar sus orgasmos con las copas de ron de caña que se va metiendo por el cuerpo y que le va afectando cada vez más.

Otra genialidad: “Piero Della Francesca”. Evocando ritmos y sonidos del Quattrocento Krahe parte de la idea de que Della Francesca, además de un enorme pintor es sobre todo un geómetra enamorado del dodecaedro. Bueno pues desde esa idea es capaz de mostrar su amor por la geometría, jugando con las palabras de forma genial. Y para muestra un botón:

“Pero hasta la ternura
Lo que se dice hasta la ternura,
Sólo me conmueve el óvalo,
El óvalo de tu cará,
Morená, saladá,
Morená, saladá,
Y también el cono.
Y también el cono,
Morenó, saladó
Hasta el arrobo”

El disco termina con una canción que, aun a riesgo de pasar por pasteloso, me parece de las más especiales que el autor ha compuesto. El tema se titula “Abajo el Alzheimer” y en ella hace un recorrido por sus 100 amores que, claro que sí, fueron los mejores. La canción es un dechado de imágenes y giros geniales (creo que es el vigésimo séptima vez que uso esta palabra). Desde el primer amor eterno y otros casi tantos, hasta las ocho que guarda en secreto. Hay un verso que me encanta ya que refleja toda la carga de ironía que siempre presenta. Es algo así como “de amores sin par unos quince pares”.

En fin, el disco es una genialidad desde el principio hasta el final. Mi recomendación es que lo escuchéis entero y con atención. Los que esperáis un Javier Krahe al estilo La Mandrágora”, olvidadlo, su música es mejor, su producción, por supuesto, y las letras más elaboradas, más profundas y más irónicas.

Cuelgo un video sacado del DVD “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” en la que resume parte de sus ideas. Me encanta el adjetivo que coloca a los nacionalistas, pero lo he puesto porque es la única imagen que queda del festival en Salamanca en el que cantó junto a Joaquín Sabina el tema “Cuervo ingenuo”. La canción no era más que una crítica clara a la posiciones del gobierno de entonces del PSOE, cargando las tintas sobre todo en su política hipócrita con la OTAN. No sé si conocéis la historia, pero que sepáis que aquella actuación fue censurada de forma vergonzante y, por si fuera poco, comenzó una persecución que dio con parte de su capital en los brazos de hacienda… Increíble.

Ala pues que lo disfrutéis.

PD: El Sr. Chinarro habla bien de Krahe, así que, ventana abierta a los indies más indies… ¿no?

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BUNBURY Y VEGAS - El tiempo de las cerezas

"El Tiempo de las Cerezas" es un disco que "nace" a inicios del otoño del 2006. Durante la última gira en solitario de Bunbury (Burundy pa la peña fredychico), "FreakShow", éste se rodeó de músicos como Iván Ferreiro, Mercedes Ferrer, y Nacho Vegas, que contribuyó al espectáculo con "Gang Bang".

Tras el arrebato de Bunbury abandonando el escenario en el último concierto de la gira (muy típico del crack), en el Puerto de Santa María se juntaron estos dos mendas y dieron a la luz "El Tiempo de las Cerezas".

Lógicamente, no veo necesario hablar de Bunbury, un ARTISTA que despierta tanta admiración como odio. Yo, sinceramente, entiendo perfectamente que su actitud pueda generar odio ó repugnancia a su persona. Pero señores, al César lo que es del César. No puedo ni ver a Dani Alves pero admito que es un peaso pelotero.

Con Nacho Vegas me ha pasado como con otros artistas (Lichis, Quique González...) y a ustedes fijo que también habéis ido conociendo los trabajos de un artista de un modo retrospectivo, hacia atrás en el tiempo; y la verdad es que me ha ido gustando cada vez más. No quisiera que este disco impidiese que Pedrito nos hable alguna semana de "Cajas de música..." él conoce muchísimo a Nacho Vegas y, sinceramente, me gustaría que se enrollase comentando algún disquito suyo.

En fin, el disco es la polla. Es cierto que tienen intereses comunes. A Bunbury le interesa meter el cuello en el entorno musical que genera Nacho Vegas, y claro está que a éste último nunca le puede amargar un dulce.

El disco me recuerda a cuando salen dos futbolistas, por ejemplo Robinho y Ronaldinho y empiezan a hacer "birguerías" con la pelota, uno hace una cosa y se la pasa al otro que hace otra distinta. Es decir, no tienen continuidad. Está lleno de múltiples perlas con escasa interrelación de unas a otras (pero hay tantos discos así).

Sólo hay un tema común "Latex" donde cantan los dos a la vez. Es un doble CD con la particularidad que la primera canción y la última de cada disco ("Días Extraños" y "El rumbo de tus sueños" son interpretadas de modo individual, cada uno de ellos su propia versión).

Me gustan mucho "Ahora" (la escribió Bunbury para el mismísimo Raphael), "Puta desagradecida", "Welcome to El Callejón sin Salida", y "En la Espina dorsal del Universo" de las que canta Bunbury; por parte de Vegas me quedo con "Serie Negra", "Bravo" (versión que creo q a su vez versionó el mismísimo Bambino) y "Secretos y mentiras" (canción de auténtico chulo que cuelgo en la gramola).

Después de este disco cada uno siguió su camino, Bunbury se dedicó a llenar estadios y a anunciar Guitar Hero; mientras que Nacho Vegas ha sacado un miniCD con Christina Rosenvinge (cada vez q me ves cruzo la pared...), que por cierto, me pone malísimo y también colaboró en "El tiempo de las cerezas", "Verano Fatal". Caminos bien diferentes, no por ello más exitosos.

Gracias a este disco he podido conocer más canciones de Bunbury (no más de lo mismo) y estoy en proceso de absorción de todas las obras de Nacho Vegas.

Pedrito, no me guardes rencor; no te sienta bien la palabra odiar.

Disculpad por la tardanza.

Un disco de DOS MÚSICOS.